Merzboy

2010-12-09T14:13:00.005+01:00

Heinz Emigholz - The Formative Years - PART 1

An installation of seven films from 1972–77 at Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, February 2010. The films were originally shot on 16mm film and digitally restored in 2009 and thus made public again. For the first time this installation offers a complete picture of the coherences in this closed body of work.

Heinz Emigholz - Brooklyn Bathroom Piece (1975)

Heinz Emigholz - Arrowplane (1973)

Heinz Emigholz - Stair Piece (1975)

Heinz Emigholz - Schenec-Tady I (1972)

Heinz Emigholz - Schenec-Tady II (1973)

Toshio Matsumoto - Experimental Film Works, 1961-1987 (2005)

2007-06-16T11:36:00.001+01:00

The Weavers of Nishijin (1961)

The Song of Stone (1963)

Mothers (1967)

For the Damaged Right Eye (1968)

Ecstasis (1969)

Metastasis (1971)

Expansion (1972)

Mona Lisa (1973)

Andy Warhol - Re-production (1974)

Atman (1975)

Phantom (1975)

Everything Visible Is Empty (1975)

Enigma (1978)

White hole (1979)

Ki or Breathing (1980)

Connection (1981)

Relation (1982)

Sway (1985)

Engram (1987)

Why is it so hard to find a proper title... ?

2007-06-08T21:54:00.001+01:00

Gordon Wilding - Rapture (1997)

LINK DEAD (for now...)

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Jean-Pierre Bouyxou - Satan bouche un coin (1968)

LINK DEAD (for now...)

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Don Hertfeldt - The Meaning of Life (2003)

LINK DEAD (for now...)

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Steven Dwoskin - Dirty (1971)

LINK DEAD (for now...)

Jan Kounen, Beating Heart Baby

2007-06-08T21:45:00.001+01:00

Le Dernier Chaperon rouge, de Jan Kounen 1996, 26', 35MM, coul., son.

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Capitaine X, de Jan Kounen 1994, 12', 35MM, coul., son.

LINK DEAD (for now...)

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Vibroboy, de Jan Kounen 1994, 27'03'', 35MM, coul., son.

LINK DEAD (for now...)

Nobuhiko Obayashi - Experimental Film Collection (1960-1968) [PART 2]

2007-06-08T21:35:00.001+01:00

Nobuhiko Obayashi - Confession (1968)

CLICK HERE (900Mo FILE)

Donald Richie as a film-maker

2007-06-08T21:20:00.001+01:00

Wargames (1962)

video: 576x432 00:22:08 23.97fps XviD 1.4Mbps
audio: 48KHz 00:22:08 Stereo 139Kbps mp3

DEAD LINK (for now...)

Atami Blues (1962-67)

video: 576x432 00:20:24 23.97fps XviD 1.4Mbps
audio: 48KHz 00:20:24 Stereo 140Kbps mp3

DEAD LINK (for now...)

Boy with Cat (1967)

video: 576x432 00:05:32 23.97fps XviD 1.4Mbps
audio: 48KHz 00:05:32 Stereo 139Kbps mp3

DEAD LINK (for now...)

Five Filosophical Fables (1967)

video: 576x432 00:46:33 23.97fps XviD 1.4Mbps
audio: 48KHz 00:46:33 Stereo 139Kbps mp3

DEAD LINK (for now...)

Dead Youth (1967)

video: 576x432 00:13:31 23.97fps XviD 1.4Mbps
audio: 48KHz 00:13:32 Stereo 139Kbps mp3

DEAD LINK (for now...)

Cybele (1968)

video: 576x432 00:19:43 23.97fps XviD 1.4Mbps
audio: 48KHz 00:19:43 Stereo 139Kbps mp3

DEAD LINK (for now...)

OST & Other Curiosities

2007-06-05T13:56:00.001+01:00

MUSIC OF EL TOPO
Composed by Alejandro Jodorowsky
SHADES OF JOY
Arranged and conducted by Martin Fierro

Plaintive Morricone-on-acid score.

DEAD LINK (for now...)

I believe that the only end of all human activity – whether it be politics, art, science, etc. – is to find enlightenment, to reach enlightenment. I ask of a film what most North Americans as of psychedelic drugs. The difference being that when one creates a psychedelic film, he need not create a film that shows the visions of a person who has taken a pill; rather, he needs to manufacture the pill. I think there are multiple influences in El Topo – I have them all: the influence of all the books I’ve read and all the films I’ve seen, of all the winds that have blown against my skin, of all the stars that have exploded during my lifetime, of each manifestation of the now manifested, of each flea that’s shit on me. Especially a flea I met in 1955. It shit on me in such an incredible way, that it changed my life. I’m sure that flea’s in my film.
- Alexandro Jodorowsky -

In El Topo I had a person who played the flute. I took a piece by Bach for instance and I took scissors and cut it and re-arranged the pieces in another order and then I made the guy play it on the flute. That was one musical idea. There was another idea that I called ‘21 Friends’. I gave a musical note to my friends, do re mi fa sol la si, and then I asked them to come to my house and I was noting the order they were coming and I made music from that. Et cetera, et cetera… I was inventing ways to make music.
- Alexandro Jodorowsky -

Soundtrack CD from the Anchor Bay Jodorowsky boxset.

01 Entierro Del Primer Juguete 02:29
(Burial of the First Toy) ..
02 Bajo Tierra (Under the Earth) 01:40
03 La Catedral de los Puercos (The Pigs Monastery) 01:33
04 Los Mendigos Sangrados (The Holy Beggars) 02:31
05 La Muerte es un Nacimiento (Death is Birth) 02:18
06 Curios Mexicano (Mexican Curios) 02:37
07 El Agua Viva (Living Water) 01:18
08 Vals Fantasma 03:17
09 El Alma Nace en la Sangre 02:44
(The Soul Born in the Blood) ..
10 Topo Triste 02:44
11 Los Dioses de Azucar (The Sugar Gods) 01:39
12 Les Flores Nacen en el Barro 01:52
(Flowers Born in the Mud) ..
13 El Infierno de los Angeles Prostitutos 01:54
(The Hell of the Prostituted Angels) ..
14 Marcha de los Ojos en el Triangulos 01:37
(March of the Eyes in the Triangles) ..
15 La Miel del Dolor (The Pain of Honey) 01:08
16 300 Conejos (300 Rabbits) 00:56
17 Conocimiento a Traves de la Musica 00:35
(Knowledge Through Music) ..
18 La Primera Flor Despues del Diluvio 03:30
(The First Flower After the Flood) ..

you'll find his surrealismy slapstick comedy EL TOPO, THERE IF YOU CLICK ON ME

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MUSIC OF THE HOLY MOUNTAIN
credited to free jazz god Don Cherry and Archies keyboardist Ron Frangipane along with Jodorowsky.

A tantalizing aural mixture of religious instrumentation and funky pop compositions.

DEAD LINK (for now...)

Some noises I had to make myself. Nobody knows that but I made a lot of sounds. When the thieves attack the masters in The Holy Mountain I had a piano and I took a chamber pot and I started to hit the piano with the chamber pot. It was fantastic, the chamber pot made a fantastic sound! (laughter) No one has asked me about the sound until today, but I made a lot of sounds. And I worked with a fantastic jazz musician called Don Cherry. He was a hippy musician, he was always doing drugs, and he brought lots of musicians. One time I had 100 guys! I showed them The Holy Mountain and he made the music as he was watching the picture. Every time I discovered ways to make the music I needed.
- Alexandro Jodorowsky -

Soundtrack CD from the Anchor Bay Jodorowsky boxset.

01 Trance Mutation 03:32
02 Pissed and Passed Out 01:48
03 Violence of the Lambs 02:03
04 Drink It 01:38
05 Christs 4 Sale 00:44
06 Cast Out and Pissed 01:48
07 Eye of the Beholder 02:17
08 Communion 01:24
09 Rainbow Room 04:41
10 Alchemical Room 04:15
11 Tarot Will Teach You / Burn Your Money 08:45
12 Mattresses, Masks and Pearls 05:53
13 Isla (The Sapphic Sleep) 02:22
14 Psychedelic Weapons 01:12
15 Rich Man in a Fishbowl 04:09
16 Miniature Plastic Bomb Shop 03:14
17 Fuck Machine 03:13
18 Baby Snakes 01:21
19 A Walk in the Park 01:31
20 Mice and Massacre 03:27
21 City of Freedom 03:22
22 Starfish 02:22
23 The Climb / Reality (Zoom Back Camera) 04:15
24 Pantheon Bar (Bees Make Honey...) 03:43

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The Eye Popping Sounds of Herschell Gordon Lewis

DEAD LINK (for now...)

From Blood Feast

1. Official Warning (Blood Feast disclaimer)
2. Tragic Kettledrums / Eye Gouged Out / Legs Cut Off!
3. Blood Feast (Main Title) / Homicide Bureau
4. Fuad Ramses Exotic Catering Service
5. Brains Knocked Out
6. How Dry I Am
7. Tongue Torn Out
8. 5000 Years Ago / Newscast
9. Critical Condition
10. Ancient Weird Religious Rites
11. Poolside Frolic
12. Trudy Is Sacrificed to Ishtar / Leftovers
13. Chase Scene / A Fitting Death For The Garbage He Was
14. Blood Feast radio spot

From 2000 Maniacs
15. Theme from 2000 Maniacs
16. Recurring Virtuoso Guitar Bit
17. Lister's Garbage / I Told You That Blade Was Sharp!
18. Roll In My Sweet Baby's Arms
19. It's Almost Like Halloween
20. Tom's Bright Idea
21. Escape Attempt / Guests of Honor
22. Quicksand!
23. Dixie
24. Safe At Last
25. Teetering Rock
26. Old Joe Clark

27. Gueusome Twosome radio spot
28. White Lightning (from Moonshine Mountain)
29. Suburban Roulette (from Suburban Roulette)
30. The Pill (from The Girl, The Body & The Pill)
31. She Devils On Wheels radio spot
32. Get Off The Road (from She Devils On Wheels)
33. Bad Day (from Blast Off Girls)
34. Noise (from Blast Off Girls)
35. Destruction (from Just For The Hell Of It)
36. Blast Off Girls Rock'n'Roll Party (from Blast Off Girls)
37. Living Venus (from Living Venus)

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Choubi Choubi! Folk and Pop Sounds from Iraq

DEAD LINK (for now...)

		1.	They Taught Me - Ja'afar Hassan
		2.	Segue Bezikh - Unidentified
		3.	Oh Mother, The Handsome Man Tortures Me - Unidentified
		4.	Yumma, Al Hilou (Mother, Here's My Beauty) - Unidentified
		5.	Ahl Al Aqi (Oh, People Of Reason) - Unidentified
		6.	Hecha - Unidentified
		7.	Choubi Choubi - Unidentified
		8.	Ya Binaya Goumi (Oh Girl, Stand Up) - Bawin
		9.	Front My Hope - Ja'afar Hassan
		10.	Ala Honak (Take It Easy) - Sajada Al Ubaid
		11.	Mawal / Choubi - Unidentified
		12.	(Unknown) - Mohammed Al Madloul
		13.	Ashhad Biannak Hilou (I Admit You Are Beautiful) - Sadun Jabir
		14.	Walla (By God) - Salah Abd Alghafour
		15.	Palestinian - Ja'afar Hassan
		16.	(Unknown) - Souad Abdullah

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Radio Phnom Penh

DEAD LINK (for now...)

1. Don't Want to Let You Go

2. Multi-Pop Indigenous

3. Blondie in Khmer Camouflage

4. Street Guns and Studio Drums

5. Synthesizers East of Siam

6. Indefinite State of Emergency

7. Phnom Penh on the Seine

8. Bubble Gum Independence

9. Rebel Guitars in Strange Dialect

10. Shiny Radio in a Blind Man's Wallet

11. Re-Mixed Culture or: The Graffiti Walls of Angkor Wat

12. Condoms and Condors

13. Sign-Off/The Venerable Anthem

Pure Cinema

2007-06-05T13:48:00.001+01:00

Ilppo Pohjola - Routemaster (2000)
2000 | 35 mm | 2,35 | 17'

Soundtrack includes work by Non (Boyd Rice) and Merzbow.

DEAD LINK (for now...)

Routemaster
Ilppo Pohjola, Finland / Finlande, 2000, 17:00
Realisation / Réalisation: Ilppo Pohjola
Editing / Montage: Heikki Salo
Sound / Son: Jim McKee

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Colin Barton - Intestinal Fortitude (1991)

USA, 1991, 3 min
16mm, color, sound,

DEAD LINK (for now...)

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Kerry Laitala - Journey to the Unknown (2002)

DEAD LINK (for now...)

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Rafael Gray - RythmXXX (1999)

DEAD LINK (for now...)

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David Rimmer - Variations on a Cellophane Wrapper (1970)

DEAD LINK (for now...)

"The most exciting non-narrative film I've ever seen. The basic image is a female factory worker unrolling a large sheet of cellophane ... The film resembles a painting floating through time, its subject disappearing and re-emerging in various degrees of abstraction." (Kristina Nordstrom, VillageVoice)

"... Rimmer's method and form of exposition is rich and complex ... The film is based on an endless (`closed') loop of a single black and white stock footage shot ... repeated, reversed from positive to negative to positive, and transformed via optical printing techniques ... The ambiguity of the content-message permits the viewer to experience and interpret the film in a variety of ways. Some viewers see the film as a `spiritual' message and some see it for its `political' or `feminist' content." (Al Razutis)

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Nana Tchitchoua - Impressions from Rustaveli (2001)
16mm 15'

DEAD LINK (for now...)

update

2007-04-30T12:59:00.000+01:00

all of Jean Painlevé's short have been upadted
except Les Oursins, i couldnt find it on my hd...

I am also adding some english subs for all of his shorts
and a documentary by Roxane Hamery.

English Subs for the First Part

English Subs for the Second Part

----> click here for the documentary <-----

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tous les liens pour Jean Painlévé ont été mis à jour
sauf les Oursins, que je ne retrouve plus sur mon hd...
vous les retrouverez tous ici :

Jean Painlevé, Cinéaste Scientifique Avant-gardiste

jajoute aussi le lien pour le documentaire De L’Inconnue des six jours au Vampire, de Roxane Hamery, jeune universitaire, auteur d’une thèse sur le cinéaste, qui se penche sur son parcours de ses débuts jusqu’en 1939.

----> c'est ici que ça se passe <-----

3 Auteurs, Plusieurs films (ou la difficulté de trouver un titre qui accroche)

2007-04-30T12:28:00.001+01:00

Castro Street, de Bruce Baillie
1966, 10', 16mm

DEAD LINK (for now...)

Tous les éléments sonores et visuels proviennent de cette rue, progressant du début à la fin de la rue en noir et blanc, un plan étant en couleur. L'emergence d'un long plan sur un aiguilleur ( un solo noir et blanc) est pour le cinéaste l'image essentielle de la conscience.
Bruce Baillie, New York Film-makers' Coop Catalogue n°6, 1975.
(Traduction: Dominique Willoughby)

2. Mr. Hayashi, de Bruce Baillie
1961, 3', 16mm, n&b

DEAD LINK (for now...)

"Bruce Baillie opère en fabriquant à partir de visages et de paysages, des portraits si minutieux, si tendus qu'ils se rompent : le visage de Mr Hayashi devient ainsi insensiblement un paysage d'un désert mexicain."
C. Eizykman, programme Cabinet d'amateurs n°12.

3. All My Life, de Bruce Baillie
1966, 3', 16mm, coul.

DEAD LINK (for now...)

"Une seule prise au début de l'été à Mendocino. La chanson All my life est interprétée par Ella Fitzgerald avec Teddy Wilson et son orchestre... Un vieux chemin avec des roses rouges. "
Bruce Baillie, Film-makers' Coop Catalogue n°6, NY, 1975.

"La palissade criblée de roses de All my life devient peu à peu le portrait d'un visage imaginé ou remémoré."
Claudine Eizykman, Un Cabinet d'amateurs n°12.

"All my life est juste une image toute simple -une haie couverte de roses sauvages rouges- et un chant . Un haiku. Mon préféré parmi tous les films de Baillie. Bruce dit que c'est son préféré aussi."
Jonas Mekas, The Village Voice, 6 Avril 1970.

"Bruce Baillie, né en 1931 à Aberdeen (Sud Dakota), vit à Berkeley ( Californie).
Jusqu'à l'âge de 29 ans, il voyage, dessine et peint, réalise des maquettes d'avion et vit à la YMCA.
En 1955, il obtient sa licence d'Arts de l'université du Minesota et entre en 1959 à la London School of Film Technique. En 1961 il fonde Canyon Cinema, un lieu de projection de films à San Francisco plus de dix ans après l'arrêt de "Art in Cinema" dirigé par Franck Stauffascher. Puis à Berkeley il crée Canyon News, une structure de production pour laquelle il réalise ses premiers films, et Canyon Cinema , coopérative de diffusion de films expérimentaux qu'il dirige pendant un temps très limité."
Claudine Eizykman, Un Cabinet d'amateurs n°12.

Liste d'Articles et Publications sur/de Bruce Baillie

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Wild Night in El Reno, de George Kuchar
1977, 6', 16mm, coul.

DEAD LINK (for now...)

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The Color of Love, de Peggy Ahwesh
1994, 10', 16 mm, coul., son.

DEAD LINK (for now...)

For: Doris Wishman.
Synchronization: Keith Sanborn.
Music: Astor Piazzolla.
Thanks: Gabriel Miller, Tim Allen.

Ozon/Quay

2007-04-21T15:29:00.001+01:00

note: les problèmes de liens ont été résolus

Stephen & Timothy Quay - The Films of the Brothers Quay (1987)

Stephen et Timothy Quay sont réalisateurs de cinéma. Ils sont nés en 1947 à Norristown en Pennsylvanie. Ils sont jumeaux et travaillent toujours ensemble, aussi on les désigne souvent comme les frères Quay.

Ils sont spécialisés dans le court métrage d'animation. Leur studio se trouve à Londres où ils résident également. Ils travaillent pour la publicité (Nikon, Coca-Cola,…), la musique (le clip Sledge Hammer de Peter Gabriel), ou la télévision (MTV).

Stephen et Timothy Quay sont de grands admirateurs de Jan Švankmajer à qui ils ont dédié un de leurs courts métrages : The Cabinet of Jan Švankmajer (1984).

Pour en lire plus sur les Frères Quay, on passe par ici

Cest ici que ça se passe:
Part 01
Part 02
Part 03
Part 04
Part 05
Part 06
Part 07

Password: oldscot

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François Ozon

Part 01
Part 0 2

Password: oldscot

English subs hardcoded

X 2000
1998, 5', 35mm, coul., son.

The first morning in the new millennium. Three naked couples sleep, make love and awake in an empty skyscraper littered with party debris. The world is silent and pregnant with new possibilities.

Action Vérité
1994, 4', 35mm, coul., son.

Four teens discover the pain and excitement of emerging sexuality while playing a harmless children's game.

La Petite Mort
1995, 27', 35mm, coul., son.

A devastating look at family relations. Paul, a young photographer who specializes in capturing men in ecstasy, hasn t' spoken to his father in years. When his sister persuades him to visit his dying father in the hospital, Paul discovers that he can never escape his origins.

Scènes de Lit
1997, 27', coul., son.

Seven bed scenes revolving around various couples. A series of liberated comic sketches on sexual etiquette, unbridled passion and post-coital aftertastes.

Jean Painlevé, Cinéaste Scientifique Avant-gardiste PART 2

2007-04-09T13:42:00.001+01:00

Jean Painlevé - Compilation No 2 (1926-1939)

Mathusalem
1927, 7', N&B, son.

DEAD LINK (forw now....)

La Daphnie
1927, 13', n&b, muet

DEAD LINK (forw now....)

La Pieuvre 1927, 10', n&b, muet

DEAD LINK (forw now....)

Le Bernard l'Ermite 1927, 13', n&b
Musique : Scarlatti, orchestré par Maurice Jaubert.
Opérateur : Eli Lotar.

DEAD LINK (forw now....)

Les Oursins
1954, 11', coul.
Musique : Bruits organisés en hommage à VARESE

DEAD LINK (forw now....)

Caprelles et Pantopodes
1929, 8', n&b
Musique : Scarlatti, orchestré par Maurice Jaubert.
Opérateur : Eli Lotar.

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Crabes et Crevettes
1930, 14', n&b
Musique : Maurice Delannoy.
Opérateur : Eli Lotar

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Traitement expérimental d'une hémorragie chez le chien / Le sérum du Dr. Normet 1930, 4', n&b, muet

DEAD LINK (forw now....)

Barbe-Bleue, de René Bertrand
1938, 13', coul.
Musique : Maurice JAUBERT.

DEAD LINK (forw now....)

La Quatrième dimension 1936, 10', n&b, son.
Trucages : A.P. Dufour

DEAD LINK (forw now....)

Le Vampire 1945, 9', n&b
Musique : Duke Ellington

DEAD LINK (forw now....)

First Movie, First Masterpiece

2007-04-09T02:53:00.000+01:00

The directorial debut from one of the screen’s greatest ever directors – Akira Kurosawa. Sugata Sanshiro is the tale of the emergence of the fighting art of Judo in old Japan. Set in the late 19th century, the film follows an awkward young man Sugata and his quest for knowledge. After witnessing some Ju-Jitsu bullies beaten by a man with a new fighting style, Sugata yearns to learn the emerging art of Judo. As Sugata aims to beat the Ju-Jitsu masters he also fights a battle with his inner self.

Stated at beginning of film:
APOLOGY: This is an edited version of Mr Kurosawa's first film. The original film was released in March 1943. Some 1856 feet had been cut from it by the censors without the permission of the director or his staff. Although these restrictions have now been lifted we are unable to restore the film to its original form as the edited parts were lost during the post-war confusion. But we have decided to re-release this film as we believe it has value even in edited form. We seek the understanding of our patrons in this matter.

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"Sanshiro, a strong stubborn youth, comes to the city to apprentice at a jujitsu school. His first night, he sees Yano in action, a master of judo, a more spiritual art, and he begs to be Yano's student. As the youth learns technique, he must also learn "satori," the calm acceptance of Nature's law. If he can balance strength and control, then judo may become the training regimen for the city's police, Sanshiro can gain respect from an old teacher in a jujitsu school, and he can win the hand of Sayo, that teacher's daughter, who is also sought by jujitsu's finest master, the implacable Higaki, who vows to kill Sanshiro in a midnight fight on a windswept mountainside. " -imdb.com

Movies for Free !

2007-04-08T12:10:00.000+01:00

Want to watch movies for free?
Internet Archive has public domain films you can watch on site, and downloadable files you can transfer to disc and watch at home.
This great site offers a wide variety of films, from silent shorts starring comedy greats Charlie Chaplin and Stan Laurel, to feature films such as Robert Wiene's Cabinet of Dr. Caligari 1919 and Michael Reeves The She Beast 1966. Just a few examples of the diverse offerings silent film fans can sample are; a very nice print of Last of the Mohicans 1920, Murnau's Nosferatu 1922, and cowboy star Bob Custer in Arizona Days 1928. Pre-code film fans can see Mary Brian, Irene Rich, and Noel Francis in Manhattan Tower 1932, the beautiful ice cream blonde Thelma Todd in Klondike 1932, Monte Blue and Natalie Moorhead in The Stoker 1932, Preston Foster, Arline Judge, and Kenneth MacKenna in the entertaining low budget tale Sensation Hunters 1933, a young Lon Chaney Jr.(billed as Creighton, doing comedy, and showing off a fine physique!) and Eddie Nugent in Girl O'My Dreams 1934, Victor McLaglen larger than life in Laughing at Life 1933, Evelyn Brent and Pat O'Brien in the not too bad The World Gone Mad 1933, Bette Davis and Pat O'Brien in Hells H ouse 1932, and scene stealing Roland Young with Lillian Gish in His Double Life 1933. Sherlock Holmes fans can download The Sign of Four 1932, and Murder at the Baskervilles 1937 both starring Arthur Wontner, A Study in Scarlet 1933 with Reginald Owen, Sherlock Holmes and the Secret Weapon 1943, and Terror by Night 1946, both featuring Basil Rathbone. The classics are also well represented and include Fritz Lang's M 1931, Things to Come 1936, My Man Godfrey 1936, the animated Gulliver's Travels 1939, His Girl Friday 1940, The Quiet One 1948, Robert Rossen's Mambo 1954, and Romero's Night of the Living Dead 1968.

Most of the Mpeg-1 and Mpeg -2 files are anywhere from 200MB to 3GB in size. Downloading a 700 MB file @ 100 kbs takes me approximately 2 hours, and a 2.5 GB file at 100kbs takes me around 8 hrs.
There is an occasional corrupted file, but the majority I've downloaded are just fine.
These films are in the public domain, free and legal to download.
However, If you're expecting uncut pristine quality films, these prints may not be to your liking, and retail outlets would probably be your best source.

Arthouse

2007-04-06T12:04:00.000+01:00

Go, Go Second Time Virgin, de Koji Wakamatsu (1969)

Une jeune fille est violée sur le toit d'un immeuble par une bande de loubards. Marquée par cet évênement qu'elle avait déjà vécu une première fois, elle n'a plus que des désirs de mort. Elle fait par la suite connaissance avec un jeune homme à qui elle se confie. Mais ce dernier cache lui aussi un terrible secret...

C'est sur le toit du building de sa propre boîte de production que Wakamatsu a tourné (en 4 jours!) ce film culte de la jeunesse japonaise des 60's. Unique en son genre, Go, Go Second Time Virgin est plus qu'un film; c'est un véritable poème sur pelliculle, où la puissance des dialogues et la beauté des plans associées aux différents thèmes musicaux (du blues au jazz, en passant par la pop) en font une oeuvre touchante malgré la cruautée graphique de certaines scènes (viols & meutres notamment).

Malgré sa courte durée, Go, Go Second Time Virgin est un film au rhytme lent mais prenant où Wakamatsu utilise à fond les possibilités que lui donnent un décor unique. Puissant.

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Lost Highway, de David Lynch (1997)

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Misc

2007-04-06T11:23:00.000+01:00

Fantômas - The Director's Cut (2001)

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"Fantomas stand with their feet planted horizontally across the soft dimensions of your face, warping the shape of your skull and shoulders with their off-color explosions. With expectations withering on the floor, leaving a viscous stink, nothing in their hands is concrete. As a follow-up to their 30-song debut, throughout which vocalist Mike Patton never formed a single actual word, Fantomas offer these 16 new creations, all realigned versions of film soundtracks, ranging from the notorious theme to Rosemary's Baby to the obscure and peculiar wank of Henry: Portrait of a Serial Killer. While there are many similarities to the dispersed flip-flopping styles of their earlier work, The Director's Cut breaks new ground with a thick jagged axe. First, most noticeably, are the even more varied vocal stylings; Patton's sweet croon on "Experiment in Terror" is nothing you've heard before from him on a Fantomas recording, along with many of the other croaking, spitting, pissing, screaming noises he excretes. Yet another testament to the unabashed genius of Mike Patton and his co-conspirators, leaving those caught up in the rapture with mouths even more full with thick drool."
(Blake Butler @ allmusic.com)

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Una Corda - Proper Position For Floating [1881]

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Una Corda hail from Birmingham, UK, and the self released Proper Position for Floating (1881) is the band’s first effort. The five piece curiously features two bassists, who typically play in different octaves (remember Ned’s Atomic Dustbin? Oh, well, anyway, they had two bassists). The four songs on the twenty-three minute EP are essentially untitled, only referred to as “One” through “Four”. The band’s addictive airy, melancholy post-rock meditations indicate that Una Corda may soon receive some visits from labels. Other than Fall of the Idols’ Agonies Be Thy Children, this is the best self released album I’ve heard this year. Not that it sounds like a homemade job, the production is outstanding for an unsigned effort.

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Tera Melos - Drugs To the Dear Youth (2007)
intrumental rock
http://www.myspace.com/teramelos

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One of the reasons, if not the biggest reason I went to see the Fall of Troy recently was so I could get my hands on a copy of the new Tera Melos EP, Drugs to the Dear Youth, which the band decided to release only on vinyl. Needless to say I was excited to get home, get a joint out and let this record spin as I consider their self-titled debut to be among the best releases of 2005. Jagged riffs, constant time changes, and a very At the Drive-In type sound made that album a great record.

Drugs opens, much like their self-titled album, with an electronica track called "Ambassaders of All That Is Good." The difference between the elctronica elements of their self-titled album and the bits of electronica on this record is that where the first release seemed to contain a lot of pointless dabbling, Drugs actually uses these techno elements to move the album along. Up next is a long cut called "40 Rods to the Hog's Head." I can't say how long this track is since vinyl doesnt have a time meter on it, but it's long, and sets the pace for an album that finds the band dipping more into their free-form jazz elements and ditching some of the post-hardcore elements of their debut.

"Guy vs. Sniper" and "A Spoonful of Slurry" continue the exploration of the jazz form. There also seems to be fewer chords played in favor of more finger picking and scale work, which on this album works well. There are a few times on the album where the sounds start to become disjointed and you think Tera Melos might be losing it, but then WHAP!, the band comes right back together and things get tight again. In my opinion, there aren't many bands better at doing this than Tera Melos. Next is my favorite track "The Werewolf and Ben"; the drums and bass take a bit of a background role as the guitar works stays slow and trippy. Did I mention this is a good album to listen to while enjoying your illegal substance of choice? Finally, the album closes out with "(Is Good for What Ails You)," which I believe has some kind of connection to "A Spoonful of Slurry" as the back of the vinyl cover has an arrow pointing from that track to the other. That last track is a short but sweet one which acts as more of a techno-flavored closer to the album. Take "Melody 1" and the end of "Melody 5" from the first album and throw them in a bag and "(Is Good for What Ails You)" is what you get.

Overall I like this album; it's not anywhere near as heavy and jagged as its predecessor, but Drugs to the Dear Youth is still a very distinct Tera Melos sound. I believe the band has done a great job of expanding on the quieter aspects of their music and focusing a little more on the ambient than on the melting your face...which is something still available, much like Drugs to the Dear Youth, via their live show.

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Earth - Hibernaculum (2007)

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Earth is an American drone band based in Seattle, Washington, formed in 1990 by Dylan Carlson, Slim Moon, and Greg Babior. Although they have played various styles of music, they are best known as pioneers of a minimalistic, long and repetitive form of heavy music known as drone. To a lesser extent their sound is referred to as doom metal. Earth however, has little to do with metal - at least in their current sound. Their early albums could be seen as a variation of the experimental doom-influenced metal of The Melvins.

Dylan Carlson has been the driving force within the band and has remained the core of an ever changing line-up. Outside of the underground music world, Carlson is perhaps best known for having been the best friend of grunge music icon Kurt Cobain and at the request of Cobain, purchased the infamous gun (for home protection; not suicide) that Cobain allegedly used to commit suicide with. [1] After Earth had moved to Seattle, Cobain sang lead vocals in the song "Divine and Bright", from a demo included on the re-release of the live album Sunn Amps and Smashed Guitars.

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Giant Squid- Metridium Fields (2006 re-recording)

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Fans of the anthemic pop hits on today's radio would probably not enjoy Giant Squid. But fans of stoner rock, jazz-fusion, and classic rock progression will absolutely love their sound. Giant Squid is gaining attention for their live shows as well as recorded music and one listen to 'Metridium Field' will make it clear why. These guys are good players, plain and simple, and not bad songwriters either. They are also not as technical as some modern progressive artists are, so a non-musician can actually listen to it and not feel insane. For kicking back and enjoying a most likely inebriated afternoon, these guys are the perfect listen.

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Neptune - Patterns (2006)
http://www.myspace.com/neptuneandjupiter

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Trio de Boston d'amérique du nord qui fabriquent tout seuls leurs instruments avec du métal et du plastique. très chouette disque évoluant entre rock dansant mais froid et impros de bruit. pochette sérigraphiée.

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65daysofstatic

65 days of static (also known by the abbreviations 65dos, 65days, or simply 65) are an instrumental math rock and post-rock band from Sheffield, England. Their debut album, The Fall of Math, was released to critical acclaim and they have released a second album, One Time for All Time, which has been well received.

The band intersperses heavy, progressive, guitar-driven instrumental sections with live drums and off-beat sampled drums akin to those of Aphex Twin. Their albums, as a result, maintain a distinctively gritty, almost industrial feel.

Stumble. Stop. Repeat. (2003)

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Hole (2005)

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One Time For All Time (2005)

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Retreat! Reatreat! (2004)

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Radio Protector 7" (2006)

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The Fall Of Math (2004)

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Amon Tobin - Piranha Breaks

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Amon Tobin - Collaborations & Verbal Remixes

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Rosetta - The Galilean Satellites (2005)

http://rapidshare.com/files/14229925/Rosetta__2005__The_Galilean_Satellites.part1.rar.html
http://rapidshare.com/files/14231149/Rosetta__2005__The_Galilean_Satellites.part2.rar.html

Dans cette chronique je distinguerais deux types d'explorateurs. Les explorateurs intérieurs comme ce cher Sigmund et toutes ses théories sur l'inconscient et le pourquoi du comment que quand on est petit on aime tous beaucoup notre maîtresse et toutes notre prof de sport. Et puis les explorateurs extérieurs, ceux qui parcourent le vaste monde à la recherche de nouveaux territoires, de plantes et d'animaux mystérieux. Et bien pour moi, je distingue les groupes de "post hardcore" (excusez l'emploi de ce terme déjà trop utilisé) en deux catégories similaires. D'abord les groupes inspirant une exploration intérieure comme Neurosis ou Cult of Luna, ceux qui vous plongent dans vos psychoses ou dans vos tourments pour en ressortir plus fort, ou en tout cas plus instruit. Et puis ceux dont les mélodies et les pulsations font voyager l'auditeur en dehors de son corps pour admirer l'extérieur avec un autre oeil, des groupes comme Isis ou Rosetta. Du moins c'est ce que je ressens et cela me semble être une comparaison pertinente puisque le thème de the Galilean satellites, comme le précise le groupe dans le digipack, est un astronaute. Un autre grand explorateur des temps moderne qui est partit voir ce qu'il y avait au dessus de la tête de Christophe Colomb et autre Vasco de Gama.

Cependant, le rapprochement avec Isis n'est pas (malheureusement) réservé à la thématique mais aussi à la musique. En effet, en écoutant ce premier effort je n'ai pas pus m'empêcher de songer a un album perdu que la bande à Aaron Turner aurait enregistré entre Oceanic et Panopticon. Mélodique sans jamais être aussi proche du post rock que l'est Isis sur son dernier album et toujours assez lourd, voir peut être autant qu’à l'époque de Celestial. Ce n'est jamais une tache réjouissante pour moi que de fonder une chronique autour d'une comparaison aussi simpliste et cela ne donne pas une très bonne opinion de l'artiste. Surtout quand il s'agit d'un groupe qui a manifestement plus a offrir qu'un simple ersatz surfant sur une vague de hype. Car bien que la comparaison entre les deux entités soit valide, elle n'est pas fort heureusement pas une fin en soi. Tout d'abord, le jeu des musiciens est beaucoup plus dense. La batterie surtout se veut plus puissante et beaucoup plus variée. Les guitares sont beaucoup plus agressives sans jamais perdre de vu l'aspect rêveur de la musique et la voix ne s'aventurent jamais dans un territoire chanté. Les hurlements gutturaux sont donc de la partie pendant toute la durée de l'album mais ils ne sont jamais lassants car les paroles sont ici plus compréhensibles et accrochent donc plus l'oreille que celles, souvent étouffées par la distorsion, de Mr Turner.

Et puis il y a le second CD. Oui, il y a un second album, je ne vous l'avais pas dit ? Donc oui, deux albums pour le prix d'un, et ce n'est pas une opération promotionnelle. Tout comme Neurosis pour les albums Grace et Times of grace, ce second CD est à jouer en même temps que le premier afin de donner une nouvelle dimension à celui ci. Et alors que je m'étais arrêté à cette image de groupe Isis-like, agréable et prometteur, autant vous dire que l'écoute de ce deuxième album m'a fait réviser ma copie. Ce n'est plus du tout le même groupe qui se dévoile et se déroule des enceintes mais une entitée beaucoup plus dense et fouillée. En fait, si Rosetta avait sorti cet album avec les deux albums mixés en même temps, je ne sais même pas si je les aurais classé en post Hardcore tellement il y a là une autre dimension bien loin du son Isis. Et je dis ça sans pour autant cracher dans la soupe, j'adore Isis. Mais Rosetta est un être différent et ce Galilean satellites mérite tout le bien que l'on a pu dire de lui dans les milieux autorisés quand les deux albums font corps. Toutefois, cette écoute étant tout de même réservée au plus patient d'entre vous, je ne sais pas si je peux recommander totalement cet album comme une merveille à ne pas manquer si l’on est juste intéressé de loin par des artistes jouant avec ce type de sonorités. J'ajouterais tout de même que malgré ma comparaison avec la vague post hardcore très à la mode en ce moment, Rosetta fait partit des groupes qui usent des « règles du genre » pour faire quelque chose de personnel et qu’ils auront et ont beaucoup à offrir, bien que leurs influences soient encore trop évidentes.

Envy

2007-03-22T16:11:00.000+01:00

Envy est un groupe de hardcore/screamo japonais fondé en 1992. Contrairement aux autres groupes du genre, les textes d'Envy sont entièrement en japonais. C'est en 2001, après avoir sorti plus d'une douzaine d'EPs et de singles, que le groupe sort son premier album.

En 2006, Insomniac Doze marque un tournant par rapport à l'album précédent A Dead Sinking Story. La musique du groupe s'oriente alors beaucoup plus vers le post-rock d'un groupe comme Mono ou Godspeed You! Black Emperor, pour délaisser un peu la virulence typiquement screamo qui les caractérisait principalement jusqu'alors.

Ils sont distribué par le label de Mogwai, Rock Action

Membres
* Tetsuya Fukagawa (Chant)
* Nobukata Kawai (Guitare)
* Masahiro Tobita (Guitare)
* Manabu Nakagawa (Basse)
* Dairoku Seki (Batterie)

Breathing And Dying In This Place... Ep (1996)

From Here to Eternity (1998)
(je ne lai pas, désolé...)

Angel's Curse Whispered In The Edge Of Despair (1999)

Burning Out The Memories Ep - (2000)

The Eyes Of A Single Eared Prophet - Ep - (2000)

All The Footprints You've Ever Left And Fear Expecting Ahead (2001)

A Dead Sinking Story (2003)

Insomniac Doze (2006)

Compiled Frafments 1997-2003

New French Cinema... and David Lodge

2007-03-19T13:29:00.000+01:00

Le Dernier Chaperon rouge, de Jan Kounen 1996, 26', 35MM, coul., son.

C'est un jardin extraordinaire, un jardin de Perlimpimpim où girolles, bolets, lapins, ronces et libellules chantent et dansent au son d'une musique venue de nulle part... C'est aussi le refuge du Dernier Chaperon Rouge, convoité par une grand-mère sorcière et un méchant loup qui ne veut plus être muselé...

Avec : Emmanuelle Béart, Marc Caro, Gérald Weingand

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Capitaine X, de Jan Kounen 1994, 12', 35MM, coul., son.

Vous êtes otage d'une bande de dégénérés qui cherchent un moyen de s'amuser avec votre misérable carcasse... mais ils ne savent pas qu'ils sont tombés sur un coriace!

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Seul Contre Tous, de Gaspar Noé 1999, 93', 16mm gonflé en 35mm, coul., son.

Premier long métrage du réalisateur argentin Gaspard Noé, ce film complète la sélection de la 37e Semaine internationale de la critique.
Seul contre tous (qui a failli s'appeler Morale, ou Pénis, ou encore Rance) continue et complète le moyen métrage Carne, présenté à la Semaine de la Critique en 1991, sur un sujet scabreux: les aventures amoureuses entre un père (boucher chevalin) et sa fille qu'il a élevée seul après le départ de sa femme.

Dans Seul contre tous, Gaspar Noé donne une suite aux aventures du boucher chevalin de Carne, son moyen métrage remarqué dans les festivals du monde entier. Mais Seul contre tous peut néanmoins s'apprécier indépendamment de Carne. Si au début de Seul contre tous, un bref montage d'images inédites récapitule l'itinéraire du protagoniste, l'action débute dans la banlieue de Lille où le boucher s'est installé chez la mère de sa compagne, bien décidé à "remettre le compteur à zéro" et à commencer une nouvelle vie.

Prix de la Semaine de la Critique et mention du Prix de la Jeunesse au Festival de Cannes
Prix de la critique internationale au festival de Sarajevo
Prix spécial du jury aux Rencontres franco-américaines d'Avignon
Prix du meilleur acteur au Festival de Namur
Prix du meilleur scénario au festival de Sitges
Prix du meilleur premier film et de la meilleure photo au festival de Stockholm
Prix Très Spécial
Prix Mercedes-Benz 1998 et Prix du meilleur scénario au Festival de Stiges

« Un saucisson de merde, un pinard de merde et une famille de merde dans un bled de merde, te voilà bien tombé boucher hein, tu parles d'une nouvelle vie »

« Naître malgré soi, bouffer, agiter sa queue, faire naître et mourir. La vie est un grand vide, elle a toujours été et elle le sera toujours. Un grand vide qui pourrait parfaitement se dérouler sans moi »

« Non, "baiser" n'est pas un bon calcul, ça coûte même très cher mais ça fait passer le temps. Et quand le désir de baiser est parti on se rend compte qu'on a plus rien à faire dans ce monde et qu'il n'y a jamais rien eu d'autre dans cette putain de vie. Rien qu'un programme de reproduction inscrit au fond de nos tripes et qu'on se croît obligé de respecter »

« Tu vois pas que maintenant ton bébé n'est plus qu'un steak, un bout de viande éclaté. Au moins, lui, il aura eu la chance de jamais voir ta sale gueule »

Le dossier de presse de Seul Contre Tous, cliquez ici
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part 03

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La Comtesse de Castiglione, de David Lodge
1998, 13'30'', 35mm

Théâtre surréaliste, inspiré de portraits réalisés en 1855 par les photographe Mayer Frères et Louis Pierson; On retrouve dans ce film l’atmosphère d’Eraserhead de Lynch.

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Cult Movies

2007-03-16T16:57:00.000+01:00

Hadaka no shima AKA Naked Island, de Kaneto Shindô

(1960)

Sur une île quasiment désertique de l’archipel de Setonaikai (au sud-est du Japon), une famille travaille sans interruption pour faire pousser graminées et légumes. La difficulté de leur tâche vient essentiellement du manque d’eau, qu’il faut aller chercher sur l’île voisine au prix d’efforts ininterrompus. Parmi les deux enfants, l’aîné va à l’école jusqu’au jour où survient un drame …

"Je voulais faire un film très créatif au niveau visuel. Raconter l’histoire avec des images. Une histoire où chaque vue exprimerait un sentiment du bonheur, de la tristesse, dans un décor naturel."
Kaneto Shindo

En 1961, la société de production indépendante Kindaï Eiga Kyokai (créée dix ans auparavant par le réalisateur Kaneto Shindo) connaît de graves difficultés financières. Afin d’éviter la faillite, Shindo doit trouver un projet potentiellement lucratif. N’ayant plus les moyens de produire un film dans un studio de Tokyo, il aborde le problème à contre-pied et envisage de réaliser une oeuvre qu’il qualifie "d’anti-commerciale" ! C’est avec trois millions de yens, soit un dixième du budget d’un film moyen, qu’il commence à travailler sur L’île nue.

Dans un premier temps, Shindo réfléchit à un scénario mettant en scène un couple de paysans et leurs deux enfants sur une île aride de l’archipel de Setonakaï. Son drame est minimaliste et le script tient sur quelques pages. Au fond, l’objectif n’est pas de construire une histoire pleine de péripéties, mais plutôt de plonger le spectateur au cœur d’une activité rurale difficile, certes, mais admirable. Rapidement, Shindo réunit une dizaine de techniciens avec lesquels il part sur l’île de Mihara non loin d’Hiroshima. Cette équipe, qui ne s’élargira pas au cours du temps, s’installe dans une auberge du village en bord de mer où elle restera pendant deux mois. Au large, une petite île désertique se dresse majestueusement hors de l’eau. Shindo la baptisera L’île nue…

L’île nue se présente encore aujourd’hui comme un OVNI cinématographique. Primée au festival de Moscou en 1961, cette œuvre unique est une fenêtre contemplative sur le dur labeur d’une famille de paysans. Pendant une heure trente, le cinémascope de Shindo suit les quatre personnages en proie aux joies et difficultés d’une existence simple mais néanmoins riche en sentiments. De ce travail, on aurait pu craindre un résultat des plus ennuyeux. Mais dès les premiers plans, nos peurs s’évanouissent devant tant de beauté et d’expressivité. La question à laquelle nous allons essayer de répondre est : "comment Shindo a t’il réussi à réaliser une œuvre si captivante avec un matériau d’une telle simplicité ?"

Oublier les dialogues…

Pour commencer, le cinéaste a choisi de développer son histoire sans le moindre dialogue. Passionné par le cinéma muet, qu’il voit comme un puits d’expressivité, il souhaite que les images de L’île nue se suffisent à elles-mêmes. L’humanité des personnages s’exprime dans un sourire lorsque le repas est dressé, ou dans des larmes lorsque le sort vient frapper leur destinée. Ici les regards pèsent plus lourd que tous les mots. La bande son est celle de la nature : on y entend le vent qui bruisse dans les feuilles, les baguettes qui tintent contre la porcelaine des bols du déjeuner ou le bruit sourd d’une bêche s’enfonçant dans la terre aride. Cette mise en scène naturaliste fonctionne à merveille et offre des séquences d’une rare intensité.

La famille composée de deux parents et deux enfants vit sur cette petite île depuis longtemps, toujours peut-être. Les saisons rythment la culture du sol et les mots ne sont guère nécessaires. Le seul objectif des protagonistes est d’assurer leur survie. Pour cela ils cherchent de l’eau douce sur l’île voisine et irriguent leur terre. Parfois la capture d’un poisson vient rompre la monotonie du travail et provoque le rire. Une autre fois un seau d’eau est renversé et occasionne une réprimande physique. Jamais l’absence de dialogues ne perturbe la narration.

L’île nue est un film du geste. Celui du travail de la terre, mais également du transport de l’eau. Les parents portent les seaux à l’aide d’une palanche. Cette tige de bois souple se tord sous le poids du liquide et force les hommes à se déhancher. De ce mouvement capté sur la pellicule de Shindo naît l’expression de l’effort, celui qui permet à l’humanité d’assurer ses besoins les plus primaires.

Prendre son temps…

Mais ce qui surprend le plus dans L’île nue, c’est la répétition des images et la longueur des plans. Le port des seaux d’eau à la palanche évoqué précédemment, le maniement de la godille pour faire avancer le bateau, l’arrosage de la terre sont autant de gestes filmés dans de longues séquences avec une patience hypnotisante. Cette attention portée à chacun des mouvements révèle le vrai visage de l’effort. Il ne s’agit pas de l’exploit violent et subi réalisé par le super héros d’un blockbuster ou d’un manga, mais de la réalité du travail. Tout n’est qu’attention, concentration et répétition.

Là encore on aurait pu craindre de s’ennuyer devant de telles images. Mais les visions de Shindo associées au thème musical – lui aussi récurrent – de Hikaru Hayashi enveloppent le spectateur dans une bulle de beauté et de contemplation. Regarder L’île nue, c’est comme observer l’apparition d’un arc-en-ciel ou le coucher du soleil … Ici, il y a un amour de la photographie qui rappelle Soy Cuba (1964) de Kalatozov. D’ailleurs le premier plan de chacun des deux films est quasiment identique et d’une beauté comparable (un long travelling aérien sur le décor où va se dérouler le drame).

Rester naturel

Si les images de Shindo sont splendides, c’est parce qu’il a su les composer avec une patience amoureuse mais aussi parce qu’il a choisi de tourner avec le plus grand naturel. Il faut avouer que les paysages de l’archipel nippon sont tout simplement sublimes : la mer est lisse, le relief découpé avec harmonie et les cieux riches en nuances. Dans ce décor, chaque élément contribue à la méditation et Kaneto Shindo opte pour le noir et blanc afin d’évoquer l’aspect brut de cette beauté : au regard du spectateur, les îles de Setonakaï font figure de paradis sur Terre et le cinéaste amplifie ce sentiment grâce à un soin du cadrage de tous les instants. En revanche, pour les habitants de l’île, la beauté n’est pas évidente : les quelques kilomètres carrés de terre et de rochers perdus dans une mer cristalline constituent la source de leur souffrance. Cette opposition entre la beauté plastique du paysage et la difficulté à y vivre est suggérée par une photographie où les filtres orangés exacerbent les contrastes : les noirs sont profonds, les cieux assombris, tandis que les nuages et les roches sont d’une blancheur brute, presque aveuglante. Au-delà de cette symbolique suggérée par l’image, chaque plan est un superbe cliché qui impressionnera les photographes amateurs et captivera les yeux des spectateurs de tout âge.

Dans un souci de perfectionnisme kubrickien - entre les deux artistes le rapport à la photo est évident - Shindo accentue le naturalisme de sa mise en scène grâce à des comédiens complètement fondus dans le paysage. Paradoxalement, c’est le manque de moyens attribués à la production qui finit par engendrer un tel résultat : ne pouvant avoir sous contrat des acteurs de renommée, Shindo se tourne vers deux de ses connaissances, Nabuko Otowa et Taiji Tonoyama. Il leur propose le rôle du couple en leur promettant qu’ils seront payés si le film fait des bénéfices ! Pour Tonoyama, c’est la première fois qu’il incarne un personnage principal. Acteur de second rôle, il est choisi pour son professionnalisme mais également pour son origine insulaire : natif d’une île voisine à celle du tournage, Tonoyama est familier avec la ruralité de l’archipel et endosse le rôle avec une facilité déconcertante. Son déhanchement lorsqu’il porte les seaux d’eau, son agilité à manier les outils en font un paysan tout à fait crédible. Parallèlement, la jeune Otowa est très à son aise dans ce personnage de femme meurtrie par l’effort et infaillible dans sa détermination. C’est peut-être elle qui, dans le film, incarne le plus intensément la souffrance humaine : lorsque la palanche pèse sur ses frêles épaules, tout son corps s’affaisse et ses muscles se raidissent à l’extrême. Ici, il n’y a pas de place pour la simulation. Les seaux sont bien remplis et l’effort est réel. La performance des deux comédiens est étonnante et sera applaudie par la critique du festival de Moscou en 1961. Pour l’anecdote, Shindo rappelle dans le commentaire audio du DVD que les journalistes étaient persuadés que Nabuko Otowa et Taiji Tonoyama étaient de véritables paysans ! Si cette idée peut paraître saugrenue elle n’est pas totalement idiote puisque tous les autres protagonistes du film sont des habitants de la région …

Les deux enfants, par exemple, viennent du village qui abrite l’équipe de techniciens. Shindo les a repérés dans une école voisine et leur a proposé le rôle ! De la même façon, tous les autres personnages (des figurants), sont filmés sur leur lieu de vie. Lors des plans du village, il n’y a quasiment aucune mise en scène. Cette approche documentaliste de la réalisation, offre des séquences d’une rare harmonie et participe à la splendeur qui émane de L’île nue.

Finalement, ce treizième long métrage de Shindo se présente comme un film d’une rare beauté et d’une profonde intensité dramatique. Nous l’avons vu, ce résultat fascinant n’est pas le fruit du scénario, mais d’une mise en scène ingénieuse et profondément intelligente. Dans les "Lettres françaises", George Sadoul fait également part de sa fascination pour le travail de Kaneto Shindo : "Dans l’île nue, film sans paroles, la révolution du montage sonore devient plus évidente. Un simple soupir y prend une valeur expressive comparable à ce que fut un battement de paupière pour exprimer une profonde émotion au temps du muet".

L’île nue est évidemment d’une incroyable richesse. Celle qui marque les mémoires d’une empreinte immuable liée à des valeurs universelles. Les efforts entrepris par nos héros sont simplement humains et, à fortiori, proches de tous les spectateurs. En supprimant les dialogues et en filmant le labeur, le drame et la beauté de la nature, Shindo affranchit son film de toute barrière culturelle. Son succès, tant public que critique, sera mondial. A chacun désormais, de faire abstraction de ses peurs face à un cinéma contemplatif et muet et de se plonger dans cette oeuvre d’une rare force cinématographique.

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Sílení AKA Lunacy, de Jan Svankmajer

(2005)

D’après un scénario original, le scénariste, plasticien et réalisateur, Jan Svankmajer, a réalisé son film, Sileni, qui se caractérise par son genre d'horreur philosophique et par sa combinaison entre le film et l'animation. Son propos s’articule autour de la liberté absolue, de la répression sociétale et de la manipulation. Le scénario est librement inspiré par le sujet de deux contes d'E. A. Poe: "L'ensevelissement prématuré" et "Le système du docteur Goudron et du professeur Plume". Ces thèmes sont imbriqués au sein d’une même intrigue, indépendante de celle des contes. Le Marquis est l’un des protagonistes. Ce personnage est inspiré du Marquis de Sade. En apparence, la diégèse de ce film se déroule en France au début du XIXème siècle. Elle est pourtant pleine d’anachronismes et d’allusions à notre civilisation actuelle car il s’agit d’une allégorie du monde contemporain.

Son travail concerne plusieurs médias. Il est mieux connu en dehors de la République Tchèque pour ses animations, qui ont considérablement influencé d'autres artistes (dont les frères Stephen et Timothy Quay). Ses deux travaux les plus connus sont probablement Alice et Faust.

pour vous donner une meilleure idée de la chose, hop hop hop on youtube

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El Topo, de Alejandro Jodorowsky

(1970)

Il y a des images de cinéma qui sont plus fortes et plus durables que les autres. Certaines des images d’El Topo restent de fait d’une très grande puissance, trente ans après leur mise en boîte. On peut se l’expliquer par trois de leurs caractéristiques. Premièrement, Jodorowsky pratique le « plan suffisant » : chaque plan travaille une idée, qu’elle soit visuelle, sonore ou narrative. Autrement dit, chaque plan d’El Topo est à sa manière autonome - ce n’est pas innocent : comme une case de bande-dessinée. Oui, ce qui compte, c’est moins le flux que le choc des images. Prenons trois exemples. Visuel. Trois bandits sont enveloppés de sacs blancs, placés contre un mur, exécutés. Le sang jaillit des trous percés dans les sacs blancs, les bandits s’écroulent. Sonore. Pour définir le moment où doit commencer un duel au pistolet, un ballon de baudruche est jeté à terre, et se dégonfle en sifflant. Lorsque le sifflement stoppe, les adversaires devront dégainer. Le long plan sur le ballon qui siffle incarne une pure tension. Narratif. El Topo abandonne son fils à quatre moines habillés en noir. Nous sommes en plan frontal : l’image de l’enfant tout nu contre les moines devient l’image de l’enfant habillé en petit moine, toujours contre les moines. En deux images, sembables à ce détail près, voici racontée toute l’enfance du fils d’El Topo.

Deuxièmement, mais on est toujours dans cette esthétique du choc, Jodorowsky use à l’infini du jeu sur les contrastes : le bee-gee, très grand - joué par Jodorowsky lui-même (il concocte également les décors et les costumes), couche avec la naine, les caleçons, en soie rouge ou à cœur, contrastent avec les allures martiales des personnages, le désert - où l’on se promène en parapluie - se transforme en océan, les lapins blancs sont dévorés par les corbeaux noirs, une mare de boue se transforme en mare de sang, un tout jeune enfant, l’innocence même, achève un homme à terre - ultime cruauté, etc. La mise en scène redouble ces contrastes, par son jeu constant sur les plongées et les contreplongées, ses passages brusques des gros plans aux plans larges (soit en cut, soit par des zooms violents) et réciproquement. Qui plus est, Jodorowsky a un goût prononcé pour les montages hétérodoxes et frappants : montages attractions, montages alternés de séquences différées dans le temps, montage par recadrages avant (par exemple d’une brebis crucifiée).

Enfin, le réalisateur développe un imaginaire absolument clos et cohérent. Les motifs géométriques, entre autre, se succèdent : triangles, cônes, polygones, dodécaèdres en allumettes. Il semble également obsédé par les éléments : sable, eau, roche des falaises et des grottes, feu (par qui l’on s’immole) vent qui ne cesse de saturer la bande-son. Par dessus tout, le corps est au centre du film, tatoué au fer rouge, fessé, castré, traversé par les balles, plongé dans le sable, ou dans une orgie au sous-sol d’un saloon, pour faire l’amour. De ce corps, toutes les difformités sont bienvenues : des mutilés (que Jodorowsky adore faire tomber sous les balles), des nains, des obèses. Quasiment tous les personnages du film sont d’ailleurs métonymiquement associés à un animal-totem, sur le modèle d’ « el topo », la taupe : cochons noirs, lapins, lion, varans, scarabées que l’on suce (manifestement c’est une drogue troglodyte assez efficace), abeilles.

Bien sûr, le sexe et la question de la sexualité sont omniprésents : une image forte et célèbre du film montre une femme ouvrant en deux une tête de cactus, y passant le doigt, puis la langue. Les rapports sexuels dits exotiques sont donc convoqués - homosexuels, entre jeune et vieux, entre noirs et blancs, sadomasochistes. Enfin, le corps mourant est essentiel dans El Topo, où l’on meurt beaucoup, mais toujours de la même manière : brusquement, dans des flots de sang. La mort est traitée avec indifférence mais comme spectacle, et très souvent, Jodorowsky la fabrique même au montage, juxtaposant une image de la personne en vie à une image de la personne en sang, raccordées par un bruit de détonation - la scène où toute une assemblée joue à la roulette russe, et où c’est finalement un enfant qui se tue, en est exemplaire. Les morts permettent alors au réalisateur de fabriquer des visions spectrales en plan large de champs de cadavres d’humains et d’animaux mêlés. Dans une des toutes premières séquences du film, El Topo traverse un village où la population a été intégralement massacrée.

Donc, une image forte chez Jodorowsky se caractérise par 1) son autonomie 2) ses contrastes 3) le renvoi à un imaginaire clos - élémentaire, corporel. Précisons cependant que le film fonctionne sur le principe de la succession plus que de l’enchaînement. Le héros est poussé par sa maîtresse à assassiner les quatre "maîtres", d’où le Jésus en string, d’où le Russe en fourrure, d’où l’Aborigène au filet à papillons. Puis, trahi par elle, il gagne les sphères de la sainteté, il se dévoue pour une communauté de pouilleux en butte au rejet d’un village empli de bourgeoises sadiques, décadentes (type La Goulue) et racistes. Bref, El topo va de rencontres en rencontres, ce qui le rend quelque peu répétitif. Il faut aussi mettre de côté la dimension mystique du film, un peu trop appuyée, bouddhisto-christique, mâtinée de flower power et agrémentée de séquences de transe sous percussions. Jodorowsky est paraît-il un spécialiste reconnu du tarot de Marseille : mais c’est en tant que metteur en scène qu’il s’impose dans El Topo.
- Romain Lecler

en lire plus sur Jodo, lire larticle qui lui est consacré sur wikipedia, et on clique ici

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La Musique censée adoucir les moeurs

2007-03-09T15:51:00.000+01:00

petite selection d'albums pour adoucir les moeurs ou l'inverse, selon votre état d'esprit.
il ya de tout et rien n'est classé
du postcore cotoie du psyché, du postrock du drone, de l'électro du mathrock
donc vous êtes forcé de trouver votre bonheur (dans le cas contraire, désolé...)

NB: soit on clique sur la pochette pour accéder à l'album
soit comme d'habitude "----> cest ici que ça se passe <----"

ISIS

Isis est un groupe de post-hardcore basé en Californie à Los Angeles et originaire de Boston dans le Massachusetts. On leur attribue communément l'étiquette de doom metal, sludge metal, metal expérimental.
Isis est aujourd’hui célèbre grâce à Hydra Head Records, un label indépendant, fondé par le chanteur du groupe, Aaron Turner, en 1993.
Il fait partie des groupes qui ont su forger leur propre son, que l’on reconnaît rien qu’à l’écoute et qui ne se limitent pas qu’à la banale appellation de metal.
Le groupe produit une musique mélodique, pensante avec son lot de passages atmosphériques.
Ils sont notamment influencés par des groupes comme Neurosis, Melvins, Godflesh ou encore Tool.

Oceanic (2002)

This album truly needs no introduction past the title of the record. This album is Oceanic. If you need more of a description you should go to Pitchfork who gave it an unprecedented 9.1, but trust me, my description is all you need.

Celestial (2001)

I'll spare you a description saying this album is Celestial (though it is) and go one step further and say that this is the sound of all primal universal energy, expanding and contracting and finally, space folding in on itself. This is a beast of an album that defies description. If all youve heard was Panopticon or Oceanic, you are not prepared for this. While lacking some of the post rock inventiveness that Oceanic perfected, it makes up for it with tribal pulsing and crunching. An extremely visceral album.

Mosquito Control (1998)

Their first output (minus the demo that was previously released) is the most primitive of their recorded output but also, in the same nature of their first full length Celestial, it has a way of punching you in the gut and knocking you over the head. This definitely treads into the "extreme" side of their work as there is little post rock/ shoegazer tendencies and Aaron Turner bellows like he has just awoken from an eternal slumber in a volcano. The music fittingly follows suit and will certainly have you gasping for air, and of course reaching for the repeat button. Or if you are like me, you will quickly throw on Celestial and continue the journey.

The Red Sea (1998)

----> cest ici que ça se passe <----

Panopticon (2004)

----> cest ici que ça se passe <----

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BORIS

Boris is a Japanese band, known to regularly switch musical genres between albums. Genres the band have played so far include drone, stoner rock, psychedelic rock, noise, ambient, sludge, post-rock, and straightforward rock music.

* Atsuo - drums and backing vocals (formerly lead vocals)
* Wata - guitars, vocals (on 2006 release, Rainbow)
* Takeshi - bass, guitars and vocals

Amplifier Worship

----> cest ici que ça se passe <----

Flood

----> cest ici que ça se passe <----

Heavy Rocks

----> cest ici que ça se passe <----

Vein - Version 1

----> cest ici que ça se passe <----

Vein - Version 2

----> cest ici que ça se passe <----

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Buried at Sea - Migration

----> cest ici que ça se passe <----

This album will most likely be the heaviest thing released this year. Buried at Sea's doom dirge is so thick, it will leave your jaw on the floor. This album is not for the weak of heart. It is filled with pure hatred. These 3 songs move at a snail's pace and I challenge any of you Southern Lord fanatics to tell me this ain't the heaviest shit around. This band is recommended if you like: Burning Witch, Khanate, Sunn0))), Neurosis, dot(.), Pelican, and Unearthly Trance. In other words, the heaviest of the heavies. All songs 10 plus minutes in length unfold slowly to envelope your mind and body.

Buried At Sea - She Lived For Others But Died For Us

----> cest ici que ça se passe <----

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Hyatari - The Light Carriers

----> cest ici que ça se passe <----

If Sunn O))) and Godflesh had children, not only would they be ugly deformed little bastards, but they would probably sound like Hyatari. Slow, dirge like waves of distended and distorted sound of tectonic scale lurch and grind over each other becoming at once formless yet monolithic. At times the album reminds me of the ebb and tides of the cold, cold universe in all its ugly, unpolished glory. The whole record plays as one song and flows quite nicely together. Most of the guitar tones would make any fan of Sunn O))) an instant devotee, but the clincher here is the addition of the drum machine and the use of actual riffs. This is also where the Godflesh comparisons are wrought. Akin to something like Godflesh on horse tranqulizers, this album is a sonic beast to be administered daily throughout the week.

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Mouth Of The Architect - The Ties That Blind

----> cest ici que ça se passe <----

Mouth of the Architect is an American atmospheric sludge metal band.

Jason Watkins – vocals, keyboards, samples
Gregory Lahm – guitar, vocals
Dave Mann – drums
Dan Wilburn – guitar

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Tides - Resurface

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Battles is an American math rock band. Following a string of EPs, the band released their debut LP on the Warp Records label in February 2006. The album is a compilation of their increasingly hard-to-find early releases. The group's lineup is composed of well-known musicians, including ex-Helmet drummer John Stanier, ex-Don Caballero guitarist Ian Williams, ex-Lynx guitarist Dave Konopka, and Tyondai Braxton (son of Avantgarde Jazz musician Anthony Braxton), who also plays guitar and keyboard and creates live voice samples.

According to a news item on Pitchfork a new album Mirrored, recorded at Machines With Magnets, will be released on 15 May 2007. This release will be preceded by the single "Atlas" from the album becoming available on 2 April 2007.

John Stanier – drums
Ian Williams – guitar, keyboards
Tyondai Braxton - guitar, keyboards, voice
Dave Konopka – guitar, bass

Battles - EP C

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Battles - B[EP]
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Battles - Mirrored (2007)
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OXES (Born August 16, 1999) are a Baltimore instrumental rock band. Its members are part of what's known as "the Baltimore Rowdy Collective" who stage practical jokes usually involving a confrontational and outlandish racket in public places. These happenings are comparable to the Lettrist Scandals and Luther Blissett.

Their music has been called math rock or post punk but they haven't been known to subscribe to any genre. However all of their recordings and shows are instrumental.

In all of the bands early performances Marc Miller (guitar), Natalio Fowler (guitar) both stood on large black boxes (or pedestals) towering over the audiences (a nod to the superiority complexes of rock bands). The guitarists would occasionally step down from the boxes to walk into the audience and stand in front of individuals in the crowd (while still playing) attempting to make them feel uncomfortable. This was later aided by the much self-publicised acquisition of wireless guitars. Christopher Freeland (drums) would intermittenly get up from his set and barge around the stage, mumbling incoherent babble, only to sit back down and lunge into another song. The two guitarists, Marc Miller and Nat Fowler, are noted for having the birthdates of Jimi Hendrix's birth and death dates, respectively.

While the band retained its use of the large black boxes and wireless guitars, its later shows were marked by lesser accepted ideas of showmanship. However they still maintain a certain level of audacious and silly stage presence. After their 2002 SXSW performance, Entertainment Weekly named them the "Blue Man Group of rock."

Oxxxes
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Nadja is a Toronto, Canada duo that has already established themselves through a series of CDR releases as well as their recent debut CD on Alien8 Recordings. Bodycage is a re-release of a limited CDR from 2005. Their sound is firmly based in ambient electronics and a masterfully programmed drum machine.

Nadja - Bodycage
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Om is a duo formed by the rhythm section of the disbanded stoner metal band Sleep, Al Cisneros on vocals and bass and Chris Hakius on drums. Their music is similar in structure to Tibetan chanting and is rich in rhythm and melody. Their music and lyrics lift off at the beginning and slowly mutate giving a feeling of evolution inside each song.

* Al Cisneros - Bass, Vocals
* Chris Hakius - Drums

Variations on a Theme
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The French noise/doom outfit Monarch present 3 new songs on this new 2xcd co released by Solitude, Throne, Chim?re and Ninja Tuning. Almost 90 minutes of crushing metal for fans of Khanate, Burning Witch and Corrupted.

Monarch - S/T
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The Ocean: Robin Staps (guitar, programming); Jonathan Heine (bass guitar).
The Swedish metal band the Ocean's ambitious collection of intense, monolithic music is made more user-friendly by the inclusion of a half-dozen guest vocalists, including the former Coalesce singer Sean Ingram and Converge's Nate Newton.

Aeolian
Fogdiver '2003 + Islands-Tides '2001
Fluxion

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Orthodox is a Spannish experimental post-hardcore band

http://www.myspace.com/orthodoxband

Gran poder
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Grails are an American instrumental rock band from Portland, Oregon. Their sound brings to mind bands like Dirty Three, Godspeed You! Black Emperor, Faust, Gong and Pink Floyd.

Burden of Hope
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Acid Mothers Temple is a Japanese psychedelic band founded in 1995 led by guitarist Kawabata Makot.

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65 days of static (also known by the abbreviations 65dos, 65days, or simply 65) are an instrumental math rock and post-rock band from Sheffield, England. Their debut album, The Fall of Math, was released to critical acclaim and they have released a second album, One Time for All Time, which has been well received.

The band intersperses heavy, progressive, guitar-driven instrumental sections with live drums and off-beat sampled drums akin to those of Aphex Twin. Their albums, as a result, maintain a distinctively gritty, almost industrial feel.

One Time For All Time
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Sleep was an influential band from San Jose, California which played a fusion of Stoner metal and Doom metal.

Holy Mountain
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Dopesmoker
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Pelican is a four-piece instrumental band hailing from Chicago, Illinois who have since relocated to Los Angeles. The band is known for its dense combinations of different melodies and extended track lengths. Their distinctive sound draws from doom metal as well as post-rock and many other influences, making them exemplary proponents of post-metal. They are signed to Hydra Head Records, which is owned and operated by Aaron Turner of Isis. Larry Herweg, Trevor de Brauw, and Laurent Lebec also make up three-quarters of the band Tusk.

City of Echoes
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Godspeed You! Black Emperor is a Canadian post-rock band based in Montreal, Quebec.

Formed in 1994, the ensemble has been quite influential in its genre, with bands from as far as Hong Kong and Singapore citing them as influences in their musical work. Working on a near orchestral scale, the nine-piece group has been known to create wide dynamic ranges, unique use of instrumentation and sounds, large songs that are composed almost classically with multiple movements within themselves, and engrossing use of art and visuals in both their album packaging and live performances. They are currently on an indefinite hiatus, as members of the band are busy with many other projects.

f#a# (infinity) - 1997 (Origin of the record title - The final track [on vinyl version] is a locked groove. The album's title is technically F Sharp, A Sharp, Infinity, a reference to the keys in which each side begins and to the endless loop at the end.)

Slow Riot for New Zero Kanada - 1999 (Origin of record title - The front of the album contains Hebrew characters, in transliterated form, "tohu va vohu". This phrase is used in Genesis 1:1-2, and means loosely "without form, and void." It refers to the shape of the universe before it was given form and order. The dots and dashes above the letters are called trope. They dictate the tune and intonation and are found in the Torah as well as the rest of the Hebrew bible. The back of the album contains a diagram with instructions in Italian on how to make a molotov cocktail.)

Lift Your Skinny Fists Like Antennas To Heaven - 2000 (Also known as: Levez Vos Skinny Fists Comme Antennas to Heaven)

There is nothing I can say to do justice to this incredible band. You must take the time to digest each album on its own time. Godspeed You! Black Emperor are some of the most evocative musicians in recent times. They use a combination of rock, classical and prog along with field recordings of poets and secutiry warnings and many others to create sweeping landscapes of post-apocalyptic instrumental rock. Their music is definitely some of the most relevant music to come out in our extremely messed up political times. I wish I could say or do more to describe this band, but you will have to do the legwork (earwork?) yourself on this one and have a listen. Each album is a full continuous idea, broken up into sections, or movements, as it were, like a classical music piece, which they often resemble. You will be taken up to the sky, you will be taken down into the depths, you will see what you dont want to and you will be given glimmers of hope in between. You will not be the same again. Music like this is beyond words, it enters the realm of the mystical and the spiritual.

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V/A - A Four Way Stop
(Tintoretto, Managra, Insidious, Hero of a 100 fights)
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Mogwai

2007-03-09T10:26:00.000+01:00

-Barry Burns (guitar, flute, keyboards)
-Stuart Braithwaite (guitar, keyboards, percussion)
-John Cummings (guitar, piano
-Dominic Aitchison (guitar, bass)
-Martin Bulloch (drums)
-Brendan O'Hare [Young Team]
-Barry Burns [Rock Action]

Young Team (1997)

----> cest ici que ça se passe <----

Additional personnel includes: Aidan Moffat (vocals); Shona Brown (flute).
Recorded at MCM Studios, Hamilton, Scotland in 1997.
Judging from this stunning album, Scotland's Mogwai are hell-bent to load up Sonic Youth and Pavement's lo-fi psych-meets-pop breakthroughs onto a silver rocket, and fly into the heart of the sun. Mogwai are all about the melodic-but-noisy instrumental. When they construct a good long one--and there are plenty on YOUNG TEAM--the rollercoaster can be as thrilling and forward-propelling as a late-era Coltrane solo. Two guitars interweave sheets of sonic sabotage, and yet instead of dark, harsh slabs, they emerge with melodies that share much with the early "pop" efforts of the afore-mentioned Stocktonites and with Syd-era Floyd. Combine these qualities with their complete grasp of Albini's law of instrumental dynamics (loud/soft/loud/soft/etc.--see "Like Herod" for prime example) and what comes out is a unique, forceful and catchy statement of purpose.

Melody Maker (11/1/97, p.44) - "...Mogwai fashion raw electricity into gravity-heavy melodies of impossibly sad sweetness....with massive amounts of distortion."

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Come On Die Young (1999)

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Additional personnel: Dave Fridmann (various instruments); Richard Formby (lap steel); Luke Sutherland (violin); Wayne Myers (trombone).
Recorded at Tarbox Road Studios, Cassadaga, New York and Cava, Glasgow, Scotland.
Mogwai are top choice, triple-grade A, USDA prime slowcore. OK, they're from Scotland, but that's beside the point. Mostly an instrumental outfit, they strum and drone their way through the 12 tracks on COME ON DIE YOUNG with a dark spirit that is beautiful, breathtaking, and mysterious. Occasionally they'll sing a few bars (the lovely "Cody") and there's restrained use of keyboards and flute throughout. They're also not above descending into a cloud of white noise, as in "Ex-Cowboy." But what makes Mogwai a cut above is their deft use of melody. Although it may not be immediately apparent, there's always a singable phrase being performed somewhere. Was Pavement's Stephen Malkmus being ironic or infatuated when he said, "Mogwai will be the best band of the 21st century"? You decide.

Spin (5/99, p.154) - 7 (out of 10) - "...COME ON DIE YOUNG is a melodic, slo-mo album of increments and repeating intervals, where changes are subtle but no less drastic. The formula: lightly strummed guitar bits, lethargic snare snaps, and anonymous ether-chatter that escalates into whirring zeniths of feedback...or cultivates a pretty narcolepsy..."
Q (5/99, p.110) - 4 Stars (out of 5) - "...opening Punk Rock sets the tone....proceeds at a languid, near-hypnotic pace, with chiming guitars and floaty piano lines piercing through sheets of soporific sound. Bold and frequently beautiful...this is a gentle delight..."
The Wire (5/99, p.63) - "...Though they're high on punk rock attitude, Glaswegian group Mogwai's album is a subdued affair, with moments of graceful beauty nestled inside gathering stormclouds..."
NME (8/12/00, p.29) - Ranked #25 in The NME "Top 30 Heartbreak Albums".
NME (4/3/99, p.41) - "...Stark and darkly atmospheric, it obliterated the traditional qiet/loud formula, replacing it with layers of white noise and intense meloncholy..."

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Rock Action (2001)

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Additional personnel includes: Remote Viewer (banjo, programming); David Pajo, Gruff Rhys, Willie Campbell, Charlie Clark, Gary Lightbody (background vocals).

Engineers include: Dave Fridmann, Tony Doogan, Bill Racine.
Principally recorded at Tarbox Road, Cassadaga, New York and Cava Studios, Glasgow, Scotland.
From the opening static surge of "Sine Wave" to the majestic closer "Secret Pint," ROCK ACTION is Mogwai at its best. For this 2001 album, the Scottish post-rock band reigns in much of the bombast of earlier recordings, opting for melody and texture over all else. Guitarist Stuart Braithwaite contributes more vocals than ever before, though they're often hushed or heavily treated, and Super Furry Animals frontman Gruff Rhys lends his voice to the haunting "Dial: Revenge." While the ominous, amped-up "You Don't Know Jesus" is the closest that the record comes to living up to its cheeky title, ROCK ACTION's true highlight is the gorgeously chiming nine-minute mini-epic "2 Rights Make 1 Wrong." Throughout the album, Dave Fridmann's sterling production calls attention to the dynamic arrangements, allowing fascinating sonic elements (including strings and horns) to emerge from Mogwai's three-guitar/bass/drums lineup. For most Mogwai fans, ROCK ACTION stands as one of the band's finest moments, and for newcomers, it's an excellent point of departure.

Spin (5/01, p.147) - 8 out of 10 - "...An immaculate 38-minute lullaby for the not-working class, replete with tape hiss and timpani, sweetly brooding vocals, and otherworldly 'HOBBIT'-core....Like the band itself, it keeps getting bigger and better on its own sweet time."
Q (5/01, p.114) - 4 stars out of 5 - "...Excellent....walking the guitar-noise-symphony walk. This is their most rewarding album yet..."
Mojo (5/01, p.102) - "...If beauty and ambition be the defining values of that album title concept, they've served up here in spades."
Alternative Press (2/02, p.65) - Ranked #17 in AP's "25 Best Albums of 2001".
Alternative Press (6/01, p.78) - 4 out of 5 - "...A tongue-in-cheek and often exquisite stab at excess..."
Magnet (12-1/02, p.56) - Included in Magnet's "20 Best Albums of 2001".
Magnet (4-5/01, pp.79,82) - "...Extraordinarily rich and emotionally riveting....the post-post-rock era's SGT. PET SOUNDS' LONELY HEARTS CLUB BAND."
CMJ (4/30/01, p.4) - "...Mesmerising and hypnotic..."
NME (12/29/01, p.59) - Ranked #28 in NME's 50 "Albums Of the Year 2001".

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Happy Songs For Happy People (2003)

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Additional personnel: Luke Sutherland (guitar, violin); Greg Lawson, (violin); Scott Dickinson (viola); David Gillian, Caroine Barber (cello).
Recorded at Cava Studios, Glasgow, Scotland.
Of all the bands emerging in the mid-'90s who were labeled "post-rock," Scotland's Mogwai always seemed to be one of the closest to (gasp) an actual rock band. While their third album ROCK ACTION showed them edging ever closer to rockdom, with more conventional song structures and vocals, the follow-up is a hearty about-face. HAPPY SONGS FOR HAPPY PEOPLE is one of the band's more atmospheric efforts. Whereas the band's early sound was often defined by angular, hypnotic guitar riffs a la Slint, HAPPY SONGS is full of dreamy, ambient electronic textures that wouldn't sound out of place on, say, a Spiritualized album. There is the occasional vocal, but voices (like everything else) are used purely as texture here. The tracks occasionally build to powerful crescendos, but for the most part, this is a mesmerizing, meditative effort suggestive of autumnal introspection and long walks through twilight forests. Is that post-rock enough for you?

The fourth album from Glasgow's kings of glowering, volatile quasi-instrumental rock is subtler than their previous work, compositionally beautiful but intense and trance-inducing at the same time. 9 tracks. Matador. 2003.

Rolling Stone (07/24/03, p.88) - 3 stars out of 5 - "...Lovely wintry keyboard washes, guitars that slowly wax into rage, and an ambience of thick-blooded despair..."
Mojo (7/03, p.98) - 5 stars out of 5 - "...An ultramodern rock masterpiece, low-key yet ominous, offering new yet comforting ways of singing familiar tunes....A relentlessly brilliant record, lush with insidious thrills..."
Uncut (6/03, p.111) - 3 stars out of 5 - "...There's a gnarly tension matched only by their melodic complexity. HAPPY SONGS...refines their grandiose panoramic via electronic gurgles and glitches....Somnambulant and blissful..."

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Zidane: A 21st Century Portrait (2006)

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Mogwai were appropriately tapped to compose the soundtrack to "Zidane", a portrait of the notorious French futball (or soccer) player by Turner Prize winning director Douglas Gordon and Philippe Parreno that wowed audiences at the 2006 Cannes Film Festival. Unlike their in-your-face studio albums, the music here is restrained and deliberate to accentuate the fascinating visuals of the film. Many had speculated that the band's participation in soundtrack work was an inevitablility, given their past ambient leanings. The only question was when....and it has come to pass.

Geoffrey Jones: The Rhythm of Film (1955-2004)

2007-03-08T21:55:00.000+01:00

une nouvelle fois, je nai rien trouvé en français sur ce cinéaste anglais
ces films sont des expérimentations au niveau du montage
si tu aimes Eisenstein ou Vertov (ou tout autre cinéaste soviétique), ceci est pour toi

Snow, Rail & Locomotion
Sa trilogie du train filmée pour la British Transport Films

Snow
1963, 8', 35mm, n&b
sur une musique composée par Johnny Hawksworth (cliques, cliques, t'aura des info)
The task of running the railways through the worst of a British winter.
pour en lire plus, et ben tu cliques ici
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Rail
1967, 13', 35mm, coul, son.
sur une musique composée par Wilfred Josephs (cliques, cliques, t'aura des info)
A commemoration of the steam age and celebration of the electric age.
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Locomotion
1975, 15', 35mm, coul., son.
sur une musique composée par Don Fraser
In Locomotion, the entire history of the British railways is illustrated through a captivating and accelerating rhythm.
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Trinidad & Tobago
1964, 19', 35mm, coul., son.
In the travelogue Trinidad & Tobago, images react, combine and dance together to create a living, pulsing journey.
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Shell Spirit
1963, 2', 35mm, coul., son.
Shell petrol fuels a journey by car from the city to the seaside.
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pour en lire plus, et ben tu cliques ici

This is Shell
1970, 8', 35mm film, coul., son.
An impressionistic look at the world of Shell and its activities.
pour en lire plus, et ben tu cliques ici
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Seasons Project
19--, 12', 35mm, coul., son.
The Seasons Project contains the early and skilled use of time-lapse photography in scenes of nature.
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A Chair-a-plane Kwela
19--, 3'', coul., son.
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A Chair-a-plane Flamenco
19--, 6'', coul., son.
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Filmed interview with Geoffrey Jones at his home in Wales, describing his career and working processes, interspersed with film clips (31 mins)
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Citation:

Since the 1950s, Geoffrey R. Llewellyn Jones has been making multi-award-winning short films that look, sound and feel like nothing else. With his extraordinary marriage of images, music and rhythm, he ranks alongside such luminaries as Norman McLaren and Len Lye, and remains one of Britain's true film artists.

Born in London in 1931, of Welsh parents, Geoffrey Jones trained at Central School of Art in interior design, graphic design and photography. Mesmerised by cinema since he was a child and later inspired by Dziga Vertov and Luciano Emmer, his first film project, a satire on the commuter society, envisaged images cut to very rhythmic music, a technique that became his hallmark. Although the film was never actually made, the drawings led to work, when he was just 24 as a one man band: 'The Experimental Film and TV Department' of advertising agency Crawford International, where early work included an acclaimed commercial for Martini. He went on to make films for global companies like Shell and BP, and innovative animated shorts.
[...]
The Rhythm of Film brings a selection of Geoffrey Jones' films together in one collection for the first time to show what makes his work so special. Most of his work was in the sometimes precarious area of industrial shorts, but his unique vision is also revealed in his more personal works such as the Seasons Project and the two Chair-a-plane films.

Citation:

Only days before the release of this DVD, Geoffrey Jones passed away following a battle with cancer. The Rhythm of Film therefore becomes not only an insight into the work of one of British cinema’s unsung heroes, but also a fitting tribute. It may not offer a complete retrospective, yet over its 86-minute duration we are able to experience nine startling visions from a man who was clearly at the top of his game. Indeed, the term industrial filmmaker – for that is what Jones was, having worked for Shell, BP and Edgar Anstey’s British Transport Films (BTF) unit in his time – need not be seen as a derogatory one, but rather as a means of producing personal, distinctly singular works.

Following a non-chronological approach, the BFI open the disc with Jones’ three most widely seen and widely acclaimed works: the Oscar-nominated Snow (1963), Rail (1966) and Locomotion (1975), all made for the BTF. Watching this trio of brisk works (their durations range from eight to fifteen minutes), Jones’ modus operandi becomes apparent: these are not ordinary, run-of-the-mill documentaries, but meditations; there is no voice-over and only minimal context (Locomotion opens with a brief note to proclaim the 150th anniversary of the Stockton-Darlington railway), the only accompaniment being strictly musical, but deeply rhythmic at that; plus there is Jones’ credit of “director editor” as opposed to “director and editor”, as though Jones is telling us that both are of equal importance.

Nobuhiko Obayashi - Experimental Film Collection (1960-1968)

2007-02-13T11:39:00.000+01:00

je nai rien trouvé en français sur ce cinéaste japonais inconnu en occident et pourtant quelquun dimportant au japon
à découvrir absolument !!
ces films nont pas de sous-titres,
mais le language de Nobuhiko Obayashi étant principalement visuel, ce nest asp un problème

It's a little known fact that long before Nobuhiko Obayashi directed House, he was one of the pioneers of the emerging experimental film scene in Japan in the late 50's and early 60's, along with filmmakers like Yoichi Takabayashi, Donald Richie (who of course is better known as an author and film historian than a filmmaker), and Masao Adachi (who wrote the screenplays for Koji Wakamatsu's most politically radical films, joined the Japanese Red Army, and lived in the Middle East until he was extradited to Japan to serve some jail time). Obayashi was a student in his early 20's when the earliest of these films were made. They were personal 8mm films but the Art Theater Guild provided a venue for them to be seen by the public, which led to the opportunity to make longer and more elaborate 16mm productions. At the time, Obayashi was making a living by directing television commercials and using them as opportunities for experimentation--his quick editing style and penchant for playful visual flair were very influential in the CM production industry. Production on his personal experimental films took place at the same time as CM production, often using the same actors and even incorporating the commercials themselves into the experimental films. Some of the resulting films blur the line between arthouse drama, silent comedy, low-budget horror, documentary, pop-art experimentation, and personal home video.

I can't think of another filmmaker who bridges the gap between experimental film and mainstream appeal as well as Obayashi. Nowadays, past the era of music videos, it's not uncommon for a director with a background in experimental films/commercials/music videos to make the leap into pseudo-mainstream feature films. But Obayashi was doing it long before guys like Spike Jonze, Michel Gondry, Gen Sekiguchi, and Wisit Sasanatieng made it popular. When Obayashi made House, his first studio feature in 1977, he used it as sort of a showcase for all the experimental techniques he had developed over the years. The result was unprecedented--nobody had made a big studio feature anything like it before (Seijun Suzuki probably came closest), but the important point is that despite all its weirdness, House was a big commercial success, as were many of Obayashi's later films.

Dandanko
1960, 11'', 8mm, n&b
A woman and boy play games on an ominous staircase.

----> cest ici que ça se passe <----

Katami (Remembrance)
1963, 17', 8mm, coul
A woman and boy visit an ominous graveyard.

----> cest ici que ça se passe <----

Onomichi
1963, 20'', 8mm, coul
A non-narrative tribute to the seaside town of Onomichi, where Obayashi grew up and where most of these films were made.

----> cest ici que ça se passe <----

Mokuyoubi (Thursday)
1961, 19'', 8mm, n&b
A young couple go on a picnic in the forest, where the woman reveals that she is pregnant.

----> cest ici que ça se passe <----

Nakasendo
1963, 17'', 8mm, coul
An experimental film edited from footage of the Japanese countryside.
----> cest ici que ça se passe <----

Tabeta Hito (The Person who is Eaten)
1963, 24'', 16mm, coul.
A waitress at a busy restauraunt dreams that she is trapped on an operating table, and the food inside her body is being served to the guests.
Ce film remporta en 1963 le Grand Prix du Jury au Festival International du Film Experimental de Belgique.

----> cest ici que ça se passe <----

Complexe
1964, 14'', 16mm, coul.
An experimental arthouse short that manages to be thoroughly entertaining while simultaneously poking fun at the pretentiousness of the stereotypical experimental arthouse short.

----> cest ici que ça se passe <----

Episode Two

2007-02-13T11:30:00.000+01:00

Tuning the Sleeping Machine,de Jack Smith
1996, 16mm, 13 mins.

----> cest ici que ça se passe <----
note: cest le dernier fichier uploadé sur files-upload, ce sera peutêtre un peu lent à dl, mais il vaut vraiment le coup

Né en 1932 aux États-Unis à Colombus dans l'état de l'Ohio. Mort du sida en 1989 à Manhattan.
Cinéaste et acteur américain de l'underground. Son œuvre influença Andy Warhol et les cinéastes d'avant-garde qui suivirent.

In Tuning the Sleeping Machine, David Sherman uses images and figures from classic horror films to examine early cinema's fascination with the subconscious.

TUNING THE SLEEPING MACHINE maintains a dreamy oscillation between visual abstraction and a disjointedly submerged narrative of sexual menace. … [It] recalls our shared experience of late-night television in which lambent images emerge from the screen and turn strange as they percolate through our half-conscious thoughts and reveries.” - Paul Arthur, Film Comment

“Fragments of unidentified and yet strangely familiar films, pregnant with allusion and implication, drift into one another, obscured by the haze of rephotography, electricity and the residue of (al)chemical formulae, renamed time and memory. TUNING THE SLEEPING MACHINE resurrects the cinema projected on the unconscious, a series of images defined by the gaze of an eye, the presence in an empty room, the creeping darkness that shrouds a strange face. In this conflation of image and subject, the timeless dream of cinema finds its dreamer, and so do we.” —Brian Frye

pour en savoir plus sur Jack Smith, on suit les liens suivants
(on clique ici, article du Bright Lights Film Journal)
(ou encore ici, cest tout aussi intéressant)

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Tango, de Zbigniew Rybczynski
1980, 8', coul., son.

----> cest ici que ça se passe <----

Plan fixe : une pièce avec une fenêtre et deux portes. A l'exterieur, une cour ou un jardin. Un personnage apparait et vaque a une tache quotidienne. Puis deux. Puis trois etc ... jusqu'à ce que l'endroit tout entier soit occupé de gens qui répètent constamment le même mouvement sans voir les autres. Ils entrent, font un geste, ressortent puis recommencent ..... Lorsque la pièce est bondée, ils disparaissent progressivement et finissent par la laisser vide.
Chef d'oeuvre du court-métrage d'animation, un ballet opprimant au pouvoir quasi-hypnotique.....
Oscar du film d'animation 1983

Zbigniew Rybczynski, dit Zbig, le roi de l'incrustation. Après avoir étudié la peinture et la photo aux Beaux-arts de Varsovie, il sort diplômé de l'Académie de cinéma de Lodz en 1973. Il fuit son pays la Pologne en 1981 après l'instauration de la loi martiale pour l'Autriche avant de se fixer à New York après avoir obtenu à Hollywood un prix pour son court métrage "Tango". Son goût pour l'innovation tant artistique que technique, son style "Débridé et percutant" vont lui assurer une réussite foudroyante : En 1985 il réalise plus de 30 clips. Son tour de force est non seulement de réconcilier technologie et art mais aussi art publicitaire et véritable création artistique, art savant et art populaire.
Dans Tango, une simple chambre devient le lieu où se rejoignent, ou plutôt se croisent, une nombre si considérable d'individus que nous sommes contraints de douter de nos certitudes perceptives. D'autant plus que dans cet espace clos, chaque individu, dans une sorte de métaphore de la communication actuelle dans nos sociétés contemporaines, se livre à une action particulière dans l'ignorance totale des autres comparses : l'unité (de temps et d'espace) est ici un leurre.

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Daybreak Express, de D. A. Pennebaker
1953-58, 5 min., color.
Mus: Duke Ellington

----> cest ici que ça se passe <----

I wanted to make a film about this filthy, noisy train and it’s packed-in passengers that would look beautiful, like the New York City paintings of John Sloan, and I wanted it to go with one of my Duke Ellington records, “Daybreak Express.”

I didn’t know much about film editing, or in fact about shooting, so I bought a couple of rolls of Kodachrome at the drugstore, and figured that since the record was about three minutes long, by shooting carefully I could fit the whole thing onto one roll of film. Of course that didn’t work since I couldn’t start and stop my hand-wound camera that easily so I ended up shooting both rolls and even a few more before I was through. It took about three days to film, and then sat in a closet for several years until I figured out how to edit it and make a print that I could show on a projector.

I took it to the Paris theater to see if they would run it. By pure chance it ended up with the Alec Guiness comedy, THE HORSE’S MOUTH which ran there for nearly a year. Since I had a large collection of jazz records, I figured I’d found a way to break into the film business with music films, and it did get me started, but I was never able to make another film like Daybreak. - D A Pennebaker

Don Alan Pennebaker suit des études d'ingénieur en électronique à l'Université de Yale. Les compétences techniques qu'il y acquiert lui sont précieuses lorsqu'en 1960, il met au point avec Richard Leacock, un ancien collaborateur du pionnier du documentaire Robert Flaherty, la première caméra 16mm portable avec son synchrone.

Cette innovation technique ouvre la voie à une nouvelle forme de documentaire, qu'on baptise alors le cinéma direct. Il s'agit pour le cinéaste d'enregistrer le réel à l'état brut, en intervenant le moins possible sur l'objet filmé. Au sein de la Drew Associates, groupe de réalisateurs emmenés par Robert Drew qui vise à rapprocher le cinéma du journalisme, il participe en 1960 au tournage de Primary, un film sur la campagne électorale de John Fitzgerald Kennedy, qui inaugure une série de reportages dont le style " pris sur le vif " fait sensation.

Dès son premier court-métrage, Daybreak express en 1953, dans lequel on entend un morceau de Duke Ellington, Pennebaker manifeste sa passion pour la musique, née durant son enfance passée à Chicago. Et c'est en 1964 que le cinéaste, déjà très remarqué, est sollicité par le manager de Bob Dylan pour filmer l'artiste lors de sa tournée anglaise de 1965. Le film qui en résulte, le mythique Dont Look Back, dans lequel le songwriter est filmé sur scène et en coulisses, est une date dans le documentaire musical, et un succès commercial peu commun pour ce type de film.

Il renouvelle deux ans plus tard l'expérience avec Monterey Pop, du nom d'un Festival qui réunit notamment Janis Joplin et Jimi Hendrix, et en 1972 avec Ziggy Stardust & The Spiders From Mars, concert donné par David Bowie à partir de son fameux album-concept. De Jerry Lee Lewis à Depeche mode en passant par les stars de la soul music (Only the strong survive en 2003), la musique reste le champ d'investigation privilégié de Pennebaker, dont les oeuvres sont des références en la matière.

Avec une soixantaine de films à son actif, courts ou longs métrages, pour le cinéma ou la télévision, Pennebaker, qui depuis 1977 cosigne la plupart de ses films avec son épouse Chris Hegedus, s'est par ailleurs intéressé au cours de sa carrière à des sujets aussi variés que l'entrepreneur automobile John Delorean, les débats au Congrès à propos de la politique énergétique du Président Carter ou encore Rockaby, une pièce de Samuel Beckett. En 1994, The War room, son film sur la première campagne présidentielle de Bill Clinton, est nominé aux Oscars.

pour lire un article très intéressant sur Daybreak Express par le très bon webzine Senses of Cinema,
(il suffit de suivre ce lien)

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Yantra, de James Whitney
1950-57, 7’, 16mm, coul., son.

----> cest ici que ça se passe <----

Between 1950 and 1955, James laboured to construct a truly astounding masterpiece, Yantra. The film was produced entirely by hand. By punching grid patterns in 5" by 7" cards with a pin, James was able to paint through these pinholes onto other 5" x 7" cards, to create images of rich complexity and give the finished work a very dynamic and flowing motion.

A version of Yantra was shown at the historic Vortex Concerts in San Francisco's Morrison planetarium in 1957. Here it acquired its soundtrack, Henk Badings’ "Cain and Abel".

James Whitney (USA 1921-1982) — qu’il ne faut pas confondre avec son frère John (1917-1995) également cinéaste expérimental — étudie les arts plastiques en Angleterre puis revient à Los Angeles au début de la Seconde Guerre Mondiale. Tous deux passionnés par le rapport de l’image au son (John avait travaillé avec Arnold Schoenberg à Vienne aux côtés de René Leibowitz) mais estimant que les tentatives allemandes de Walter Ruttman (Symphonie d’une grande ville), Hans Richter (Opus), Oskar Fishinger (Studies) et consorts ont échoué, son frère et lui tournent ensemble les célèbres Abstract Film Exercice N°1 à 5 (1942-1944) qui obtiennent le Premier Prix en 1949 au Festival International du Film de Bruxelles. James avait déjà réalisé seul Variations (1940) qui, comme son nom l’indique, est une tentative de développement filmique reposant sur le modèle musical. Outre Lapis, il a aussi réalisé Yantra (1950-1957) dont le titre signifie en sanskrit " outil " ou " machine " et il a commencé à filmer une série sur les quatre éléments — philosophiquement thématisés par les Présocratiques puis Bachelardiens mais titrés de noms qui s’inscrivent volontairement en dehors de la tradition européenne car tournés vers l’Orient : Dwija (le feu), Wu Ming (l’eau), Li (la terre - inachevé) que devait conclure Kang Jing Wiang (l’air) — non réalisé. Précurseurs de l’art vidéo, les films des deux frères Whitney produisirent en leur temps l’effet d’une science-fiction métaphysique dédiée à la synesthésie la plus originale.

pour en connaitre plus sur les frères Whitney,
(on clique sur ce lien)

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Living, de Frans Zwartjes
1971, 15', 16mm, coul., son.

----> cest ici que ça se passe <----

Zwartjes' masterwork and his most favorite film. "Living has an uneasy, indefinable atmosphere. This strange swaying of the camera and the music that keeps going on and on…" Living demonstrates the cinematographic mastery of Zwartjes. He is the main character of the film and handles the camera himself, pointing it towards himself with his hand held out. Zwartjes: "I was as strong as a bear in these times." The film is part of the series 'Home sweet home', in which Zwartjes explores the house in The Hague he had just moved into at the time. His wife and muse Trix plays the other role. The two characters move restlessly through the house. The film was made using an extreme wide angle lens (a 5.7), which gives the image a strong sense of estrangement.

Frans Zwartjes (1927) is filmmaker, musician, violinmaker, drawer, painter and sculptor. He has been heavily involved in film since 1968, both as a filmmaker and as a teacher at the ‘Vrije Academie’ in The Hague and at the Rietveld Academy in Amsterdam.
Of the three ‘Dutch masters’, Zwartjes approaches the regular feature film the closest in his works. In his films, actors are adorned with make-up and costumes and are put in a setting to enact a staged event. Sexuality, psychosis, cruelty, power and powerlessness are ever recurring themes in his films. The images are abstracted in ruthless black and white. The general idea of reality is broken down by brilliant camera work and neurotic editing to replace it with a personal and often disturbing reality.

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Det Perfekt Menneske (L'Homme Parfait), de Jørgen Leth
1967, 13', 35mm, b/w, son.
avec : Maiken Algren, Claus Nissen
Photo : Ole John, Henning Camre
Musique : Henning Christiansen
Production : Kortfilmrådet
----> cest ici que ça se passe <----

Lars von Trier considère Det Perfekt Menneske comme l’un de ses films cultes et qu'il défia son réalisateur, Jørgen Leth, de tourner cinq remakes de ce court-métrage. Ce qui donna lieu à Five Obstructions (2003).
Pour chaque projet, il va lui imposer de nouvelles « obstructions » le forçant à repenser l’histoire et les personnages de son film original. Leth devra gérer restrictions, ordres et autres interdictions.

THE PERFECT HUMAN est le premier film professionnel que j’ai réalisé. Il représente aussi le début d’une longue collaboration avec le cinéaste Henning Camre. L’idée trouve son origine dans la fascination que j’ai pour le monde des films publicitaires. Je sentais que tous les éléments – personnages, objets et actions - seraient extrêmement distincts s’ils étaient isolés de leur environnement. Je voulais les sortir de tout cadre, de tout le désordre réaliste dans lequel, habituellement, évoluent les personnages.
Isoler ainsi que cultiver l’aspect sensuel des choses et des actions était pour moi le motif principal de ma poésie. De plus, j’aimais l’idée de pouvoir jouer avec la pensée qu’un être tend à la perfection. C’était aussi un jeu par rapport à l’univers des films publicitaires. Vous savez, l’homme doit apprendre comment vivre, comment exécuter d’une façon parfaite les petits rituels de la vie de chaque jour pour ainsi devenir absolument parfait. C’est l’idée qui était derrière le film. Il était intéressant de créer des effets surréalistes en travaillant sur de tels éléments.
Je pensais à l’époque qu’il était tout simplement plus amusant de regarder des films publicitaires que des « vrais » films. Il y avait une telle vitalité et énergie, tant de matière pour une réflexion, tant de style et d’esthétique. En bref, tant d’inspiration. Ainsi, vous pouvez considérer que mon film était, dans un sens, un hommage au film publicitaire, genre habituellement méprisé par les intellectuels européens. Toutefois, je comptais utiliser les techniques du genre pour réaliser une vision toute personnelle ; et ce qui m’intéressait plus particulièrement était de créer des images poétiques à partir de critères esthétiques utilisés par la publicité. Je savais qu’en cultivant une surface brillante avec assez d’intensité, nous allions voir les fissures. C’était exactement où je trouverais le
contrepoint. Si ces fissures n’étaient pas là, alors ce film aurait été tout juste un film poli mais inintéressant, qui ne faisait que passer sur la surface des choses. Ce qui m’intéressait réellement était le jeu entre la surface brillante et les fissures révélées dans le procédé.

Ce que je préfère dans un film, c’est de sentir le temps couler à travers une scène. Il devrait toujours y avoir de la place pour le temps. Un film doit respirer naturellement. Quand on sort, on tend un piège à la réalité, de manière à la persuader de se conformer à cet état d’esprit qu’on lui a préparé. On est détendu, attentif, non-engagé. Les choses se passent lorsqu’elles se passent. Nous sommes exactement aussi malins et aussi stupides que des poissons. On peut sortir quand on veut, dans n’importe quelle direction, et parfois on tombe sur un moment magique. C’est ce qu’on recherche, mais il ne faut pas être trop gourmand, ou trop sûr de soi.
L’expérience nous dit qu’ils existent, ces moments. Dans notre travail, on est armé de son instinct, de ses yeux et de ses oreilles. On se concentre autant sur l’espace vide que sur l’espace occupé. On observe le silence, et le bruit. On se fie aux cadeaux illimités du hasard, pourtant le lieu où on se trouve n’est pas nécessairement le fruit du hasard. Le moment surgit brusquement, où on n’est plus étonné par son apparition. Nous y voici. On est prêt à le capturer, à l’accepter. On ne sait pas où il nous mènera. On suit le courant, on regarde où il veut aller et ce qu’il veut faire de nous. On l’observe alors qu’il prend forme et s’assemble, mais il faut le capter tant qu’il coule encore, avant qu’il soit trop défini. On est amoureux. Un sentiment nous a frappés, que l’on essaye de percevoir durant son superficiel passage, mais que l’on a peur de perdre en le comprenant trop bien.
Jørgen Leth — Paris, 11 avril 2000

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Colloque de chiens, de Raoul Ruiz
1977, 22', coul., son.
----> imdb <----

Des chiens racontent une histoire mélodramatique entre adoptifs et assassins. Le texte est un pastiche de la presse sensationnaliste en France. L’image reprend la technique narrative des photos-romans de la presse du cœur.
César du meilleur court métrage 79

----> cest ici que ça se passe <----

Dogs’ Dialogue alternates three kinds of material: footage of barking dogs, shots of streets and other locations, and a story, illustrated chiefly by a series of stills (and occasionally by shots in motion) and narrated off-screen.

In this hilarious film, the repetitions of certain cliché phrases in the off-screen commentary (e.g. in hospital and prison alike, ‘A moment later, as she/he arranges a bed, the young woman’s/man’s hands stray under a sheet ... Their union is swift’) lend an additional circularity to Ruiz’s reductio ad absurdum, run-on melodramatic plot. The principle of overload then infects the stills which illustrate the ‘climactic’ episode, the killing of Odile: alternate shots show her assailant grasping either a knife or a bottle, as if to overdetermine further an already ludicrously overdetermined chronicle of woe.

While the barking dogs and location shots are clearly less integrated, they are useful for precisely that reason: as breathing spaces in the cancerous narrative proliferation, hence as moments of relative sanity and repose.

Virtually all Ruiz’s films have certain academic aspects – effects that seem studied rather than stumbled upon. The most studied element here is the deliberate naivety of the narrative voice (ably conveyed by Michael Graham’s dry, deadpan delivery in English, substituting for Robert Darmel in the French version), a parodic exposition of the rhetoric of melodrama which accommodates all possible forms of crisis within its measured, monotonous cadences – an anonymous register of outrages that seems to take excess as a matter of course.

In contrast to this consistency is the more lackadaisical progress of the plot itself, which blithely leaps from Monique as schoolgirl to Monique as young woman without even a hint of ellipsis, calmly glides past the almost total lack of motivation for Henri’s murder of Alice, and no less casually heaps one improbable repetition on another to impose the desired circularity on the tortured careers of Monique and Henri.

The net result of these combined strategies is to reveal melodrama itself as a pure formal mechanism, with characters and plot reduced to the status of necessary props. The disturbing lack of individuality and identity which derives from these attitudes, turning all the characters into mere aspects of a playful, arbitrary schema, seems merely the logical outcome of Ruiz’s scepticism about the homogeneity of his own authorship. With characters and auteur all assigned such a mockingly nihilist function, the dialogue that ensues might well signify no more than the barking of dogs. - Jonathan Rosenbuam, Chicago Reader

tout aussi intéressant, une analyse sur La multiplication des instances narratives dans Colloque de Chiens

Jean Painlevé, Cinéaste Scientifique Avant-gardiste

2007-02-13T11:26:00.000+01:00

on se lance dans quelque chose de complétement différent
des films documentaires, certes
mais de lépoque
les images sont vraiment vraiment vraiment renversantes

Jean Painlevé
Compilation No 1 (1929-1978)

Les amours de la pieuvre,
1965, 13'', coul.
Musique : Pierre Henry

----> cest ici que ça se passe <----

Déplacement, respiration, nutrition de la pieuvre qui se niche dans le creux des rochers. Accouplement et ponte.

Oursins
1954, 10'', coul.
Musique : Bruits organisés en hommage à Varèse

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Biologie et comportement de l'oursin. Documentaire réalisé en macro-cinéma et en accéléré avec de nombreux gros plans révélant des détails anatomiques.

Comment naissent les méduses
1960, 14'', n&b
Musique : Pierre Conte

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Nutrition et reproduction chez différentes espèces de méduses.

L'Hippocampe
1934, 14''
Musique : Darius Milhaud

----> cest ici que ça se passe <----

Locomotion de l'hippocampe, seul poisson vertical. Présentation de son mode de reproduction étonnant puisque c'est le mâle qui accouche, après que la femelle a déposé ses œufs dans sa poche ventrale. Développement des embryons.
Note: dans ce court est inclu en 2ème piste audio un morceau de Yo La Tengo (tiré de "the sounds of the sounds on science" )

Hyas et Sténorinques
1929, 10'', n&b
Musique : Chopin

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Présentation de ces petits crustacés dont la particularité est de se couvrir, selon leur gré, de colonies végétales ou animales. Convivialité avec leur voisin, le ver spirographe.

Acéra ou le bal des sorcières
1972, 12'', coul.
Musique : Pierre Jansen

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Mollusque bisexué qui nage et danse à l'aide d'un repli formant un manteau autour du corps. Ponte et développement des larves jusqu'à l'état adulte.

Histoires de crevettes
1963, 10''
Musique : Pierre Conte

----> cest ici que ça se passe <----

Présentation de la crevette. Nutrition, reproduction et délivrance des larves.

Transitions de phases dans les cristaux liquides
1978, 6'', coul.
Musique : François de Roubaix

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Etude au microscope des dispositions moléculaires multicolores des cristaux liquides.

Jeux d'enfants
1948, 8'', n&b
Musique : Bizet

----> cest ici que ça se passe <----

Chorégraphie de Pierre Conté dansée par Jacqueline Clédon et Michèle Nadal.
Tambour et trompette, La Poupée, La Toupie, Petit mari et Petite femme, Le Bal.

pour en savoir plus sur Jean Painlevé, je vous recommande chaudement
Jean Painlevé : la science au service d’une nouvelle vision du monde, de Isabelle Marinone « Anarchisme et Cinéma : Panoramique sur une histoire du 7ème art français virée au noir ».. Thèse sous la Direction de Jean A. Gili et Nicole Brenez, Université Paris I – Panthéon la Sorbonne, 2004. .
(il suffit de suivre ce lien)

Sounding the depths: Jean Painlevé's sunken cinema, de Jim Knox sur le toujours très bon webzine Senses of Cinema,
(il suffit de suivre ce lien)

Le (long) texte qui suit est honteusement piqué d'ici

Lorsqu'en 1927 Jean Painlevé apparaît pour la première fois derrière la caméra pour tourner " L'œuf d'épinoche ", film qui devait accompagner une communication à l'Académie des Sciences, se doutait-il qu'il débutait là un " job " 1 qu'il allait poursuivre jusqu'à la fin de sa vie ? Il laisse derrière lui une filmographie comportant près de 200 films, pour la majorité des films dont le sujet est le monde d'animaux marins : crevettes, pieuvres, oursins et autres crustacés et mollusques. Comment se fait-il que lui, fils de Paul Painlevé, placé en des observatoires si propices pour filmer les grands de ce monde, ne l'a-t-il pas fait ? Pourquoi s'être obstiné à fixer son objectif sur des vedettes qui n'en sont pas selon les critères habituellement admis ? Une énigme pour certains chercheurs et historiens de cinéma. Je n'ai pas de réponse à donner. Painlevé était-il plus à l'aise avec ses animaux qu'avec ses pairs ? Ou peut-être la question n'est-t-elle pas tout simplement bien posée.

Les films de Jean Painlevé s'inscrivent dans un mouvement de révolte, de rébellion contre l'ordre, ce n'est donc pas par hasard si la présence animale est si envahissante. De tous les temps, quand l'homme veut exprimer ses doutes, son espoir, il se sert des animaux.

Jean Painlevé est élevé par sa tante, Marie, veuve et sœur de Paul Painlevé, après que sa mère, Marguerite Petit de Villeneuve est emportée par la fièvre puerpérale peu de temps après sa naissance. Ses études se déroulent de façon peu spectaculaire. Il ne chahute pas en classe, tout simplement il n'écoute pas. Plus tard, il sèche les cours pour aller au Jardin d'Acclimatation où il aide le gardien à s'occuper des animaux. "Au lycée mes camarades me détestaient. Ils détestaient les marginaux, comme Vigo, fils de l'anarchiste Almereyda, Pierre Merle, fils d'Eugène Merle, Directeur du Merle Blanc. Moi, j'étais le fils d'un Boche, de ce Painlevé qui s'était battu pour Sarrail, seul et unique général républicain, et qui avait relevé de ses fonctions Nivelle pour le remplacer par Pétain "2. Il finit donc ses années de lycée à l'écart de " ces pauvres malheureux qui étaient comme des commerçants dans leur négoce "3. Parmi ses rares copains, on trouve le futur critique de cinéma, Georges Altman, l'écrivain et spécialiste en pierres précieuses Armand Moss (Moschowitz), que l'on voit en 1927 comme figurant dans Mathusalem. Finalement, il doit abandonner la préparation à l'Ecole Polytechnique, car il ne comprend rien aux mathématiques4.

Plus tard, quand en 1935, l'Association des anciens élèves du Lycée Louis Le Grand écrit à Jean Painlevé en vue de les nommer, lui et son père, membres d'honneur, il accepte pour son père, mais décline pour lui-même : " J'ai l'intention de contribuer, avec mes modestes moyens à l'abolition complète de l'éducation secondaire qui m'a toujours profondément dégoûtée ", écrit-il au Président de l'Association, " n'ayant jamais fréquenté mes camarades à l'école, je n'ai nullement envie de les fréquenter maintenant "5.

En 1921, Painlevé entame des études de médecine. Deux ans plus tard, il claque la porte au nez du professeur Delbet après un désaccord sur le traitement d'un patient hydrocéphale, traitement estimé cruel par Painlevé6. Il se tourne alors vers la biologie. Et commence à fréquenter la Station Biologique de Roscoff où il rencontre " Ginette " Hamon, fille d'Augustin et d'Henriette Hamon, traducteurs de George Bernard Shaw. Ginette sera sa compagne à vie. Ty an Diaoul, la maison des Hamon à Port Blanc devient rapidement une seconde maison pour Painlevé. Il y reçoit ses amis, parmi lesquels Boiffard,, rencontré à la Sorbonne, Pierre Prévert qui passe son temps à dessiner des cadavres exquis, Eli Lotar qui plus tard assistera Painlevé à la caméra et Alexander Calder. " Ses inventions étaient sans limites ", dira de lui Painlevé , " il transformait immédiatement tout : cuillères, couteaux, antennes, horloges" . Les journées sont passées à la mer, Painlevé et Boiffard prennent des photos, les soirées à Ty an Diaoul, où on joue au poker " avec des haricots et beaucoup de zèle "7.

Vers cette époque Painlevé se lie d'amitié à Ivan Goll avec qui il collabore à la sortie du premier (et unique) numéro de la revue Surréalisme8. Plus tard, leur amitié se soude par leur commune aversion au mouvement surréaliste orthodoxe, rallié autour d'André Breton. Pour Painlevé, le refus de Breton d'accorder quelque importance à la musique est une raison suffisante pour se distancer. En tout état de cause, Painlevé s'incommode vite dès qu'il s'agit de renoncer un tant soit peu à sa liberté. En 1926, Painlevé jouera un petit rôle et s'occupera de la réalisation des six séquences filmées et projetées sur un fond de nuages blancs lors de la représentation de la pièce de théâtre " Mathusalem " d'Ivan Goll dans une mise en scène de René Sti. (" Sti comme stimulant "). En 1926, Painlevé avait fait la une : " Le fils du Président du Conseil fait du cinéma pour aider le laboratoire d'anatomie comparée de la Sorbonne ". Il s'agit du film - inachevé - " L'Inconnue des six jours " de René Sti où Painlevé joue aux côtés de Michel Simon.

Ce n'est qu'après ces intermèdes que Painlevé se tourne vers la réalisation. Entre 1928 et 1930, il tourne une dizaine de films, dont plusieurs destinés au grand public : " La Pieuvre ", " L'Oursin ", " Le Bernard l'Ermite ", " Crabes et Crevettes ", " Caprelles et Pantopodes ", " Hyas et Sténorinques ".... Sur l'insistance de Robert Lyon, directeur de la Salle Pleyel, Painlevé rencontre Maurice Jaubert et commence à sonoriser ses films tout en conservant les intertitres. A Paris, le public est celui, restreint, des salles d'avant garde. Restreint, mais de qualité : quand le cinéma Les Miracles ouvre ses portes le 23 décembre 1930, la crédibilité scientifique de Painlevé se transforme en légitimité artistique. Le public est venu nombreux pour voir " Hallelujah " de King Vidor, " Disque 957 " de Germaine Dulac et " Caprelles et Pantopodes " de Painlevé. La presse est très généreuse. Fernand Léger dit que c'est le ballet le plus beau qu'il ait jamais vu. Marc Chagall loue le film de Painlevé comme une source d'inspiration en raison de sa " richesse plastique incomparable " et sa rigueur : " du vrai art sans chichi "9.

Mais le seul film qui bénéficie d'une distribution digne de ce nom est " L'Hippocampe " dont Bernard Natan de Pathé-Natan financera la sonorisation (Painlevé avait fait une version muette avec intertitres). Il sera montré dans le circuit des salles Pathé Consortium du même groupe, donc une diffusion inespéré. Painlevé n'est pas loin de se faire ce prénom dont il a tellement besoin.

Cinéaste de l'apparence, Painlevé, comme d'autres contemporains, ne s'attache qu'aux caprices des formes et aux jeux de la lumière, et ne s'aventure pas dans le terrain d'hypothétiques spéculations psychologiques sur ses effigies. Il y a chez Painlevé une heureuse réciprocité entre l'animal et l'humain, toute dépourvue de condescendance. Si le scientifique est là pour nommer, comme Adam dans le jardin d'Eden - et Painlevé " joue " volontiers au scientifique (parfois il en rajoute même) - , il ne se cantonne pas dans ce rôle, il se fait surtout le porte-parole des animaux qu'il enregistre et rend visible des phénomènes jamais vus à l'œil nu grâce au microcinéma ,à l'accéléré, au ralenti...

Une de ses grandes déceptions est de ne pouvoir enregistrer les scènes immédiates, imprévisibles qui, rares et fugaces, le laissent pantois, comme ce paillon qui " assomme à coup d'aile une femelle et la piétine un peu pour lui donner un avant-goût du ménage "10. Son travail, Painlevé le décrit avec son habituelle sens de la litote : " Le métier comporte ses joies pour ceux qui aiment la mer, pour ceux qui l'aiment jusqu'à l'exclusion de toute autre possibilité de joie naturelle. Patauger jour et nuit par n'importe quel temps même où l'on sait ne rien trouver, de l'eau au nombril ou au chevilles, fouiller partout, algues ou pieuvre, s'hypnotiser sur une mare sinistre où tout vous guette alors que rien n'y vit - extase de n'importe quel intoxiqué y compris le chien de chasse kilométrant en tous sens avec un plaisir infini le champ dont chaque repli cache, au plus, une vieille patate "11.

Dans ce bestiaire, on est en effet frappé par la consistance de la curiosité presque jubilatoire avec laquelle Painlevé aborde ses sujets, dans un registre qui va de l'instinct, à l'agressivité, en passant par la tendresse... Il y a là une forme d'engagement de l'humanité à travers l'animalité. Quel étonnant assemblage de couleurs, de fonctions et de formes chez ces animaux, et quels curieux comportements ! Si par certains côtés les humains peuvent s'identifier avec eux - surtout quand ces côtés sont appuyés par ses images, ses commentaires et la musique qu'il a choisie -, ce n'est pas toujours le cas, loin de là. On est alors saisi par un sentiment d'inquiétante étrangeté. Quelque chose nous dépasse devant la multitude de comportements plus curieux les uns que les autres qu'il nous donne à voir. C'est sans doute le jeux anthropomorphique que pratique Painlevé qu'on lui a le plus reproché. Il s'en explique : " Et combien de légendes à détruire ! Tout est matière à l'anthropomorphie la plus saugrenue, tout a été fait pour l'homme et à l'image de l'homme et ne s'explique qu'en fonction de l'homme sinon " ça ne sert à rien "12... Mais les dispositifs utilisés par Painlevé ne ressemblent en rien ceux utilisés par exemple dans les films d'un Walt Disney qui projète sans détours, au premier degré, les émotions et comportements humains sur les animaux qu'il met en scène. Chez Painlevé, l'anthropomorphisme est mitigé par une forte dose d'ambiguïté et devient un outil de confrontation, souvent une juxtaposition du grotesque et de la beauté.

Les films de Painlevé sont réalisés en dehors de l'économie normale du cinéma. Painlevé est son propre producteur, il crée en 1930 les Documents Cinématographiques, il écrit et enregistre les commentaires, effectue le montage, choisit la musique (quand il ne la compose pas lui-même comme pour Oursins : des bruits organisés en hommage à Edgar Varèse)... Il écrit des poèmes en prose présentant ses vedettes pour les plaquettes de programmation de ses films. Il cohabite même avec les animaux placés dans des aquariums dans les lieux qui lui servent d'habitation13. Il n'a donc pas d'équipe à proprement parler, mais il y a Ginette, sa fidèle assistante et compagne, André Raymond -rencontré lors du tournage de " L'Inconnue des six jours " - Eli Lotar pour quelques films tournés en 1929, Pierre Merle, assistant de Vigo, Pierre Achille Dufour " le meilleur truqueur de l'époque ", et pour Oursins (1954) c'est Claude Beausoleil qui l'assiste. Quand Léo Sauvage visite le ménagerie entretenue par Painlevé dans " L'Institut dans la Cave " en 1935, il déclare qu'il y a " quelque chose de bohême, quelque chose de frais, de jeune, de vivant, de grouillant et de non-conformiste qui doit faire la pige de la façon la plus insolente à la science momifiée de l'Académie "14 .

En effet, Painlevé fait du " cinéma scientifique " ; outre des films spécialisés de recherche pure, il fait du cinéma scientifique pour le grand publique. Un peu l'équivalent du biologiste allemand, Jakob von Uexküll, qui, en littérature, pour expliquer la biologie au grand public, avait écrit un recueil de lettres à une amie fictive. Painlevé, grâce au cinéma, veut montrer la vie grouillante du monde sous-marin à un " public non averti. ". Pour financer ses réalisations, Painlevé fait des tournées de conférences, en France et à l'étranger. " Des centaines. Trois par jour quelquefois, et pas toujours dans le même patelin. Les boîtes de films étaient moins dures que certains wagons de troisième classe appartenant à des pays où je me rendais en 36 heures de claque-fesse. Comme l'Odéon reprenait " L'Arlésienne " quand la caisse se vidait, je reprenais " L'Etoile du Nord " pour joindre le pays où les esprits sont aussi cultivés que les tulipes... "15.

[/b]Comment définir le " film scientifique " ? André Bazin disait que les limites de celui-ci étaient homothétiquement aussi indécises que celles du film " documentaire ", et que l'essentiel n'était pas qu'on les définisse, mais qu'on les réalise16. Painlevé lui-même revendique le terme peu valorisant et peu porteur de " cinéma scientifique "pour ses films, entendu comme un sous-genre de la classification générale de " documentaire ", dépourvu des notions de cinéma expérimental, cinéma pur ou d'avant garde. En août 1954, Henri Langlois invite Painlevé à s'associer à la manifestation de films d'avant garde qu'il prépare à Zurich, en préparant une programmation qui comprend " ...aussi bien votre propre œuvre, celle de Marey et des réalisateurs individuels de films scientifiques ". Il continue " J'ai supprimé le mot " cinéma scientifique " du programme, en le remplaçant par un euphémisme [avant-garde], qui, tout en rendant hommage à un homme que nous vénérons, permet de traiter du cinéma scientifique sans le nommer "17.[/b]

Dans " La Castration du Documentaire "18, une diatribe contre la médiocrité, et l'indigence des documentaires programmés en " première partie " dans les sales commerciales,

Painlevé rappelle la définition du documentaire sur laquelle s'étaient mis d'accord les membres fondateurs de l'Union Mondiale du Documentaire en 1947 :

" Tout film qui par des moyens rationnels ou émotionnels et à l'aide des prises de vue de phénomènes réels ou de leur reconstitution sincère et justifiée a pour but d'accroître consciemment les connaissances humaines ainsi que d'exposer les problèmes et leurs solutions au point de vue économique, social et culturel. ".

Dans ce même article, il note que tous les " déchets " présentent les mêmes problèmes : manque de goût cinématographique, méconnaissance des lois élémentaires régissant l'exposé pour un public adéquat (un documentaire est fait quand on a déterminé pour qui et pourquoi), suppression de toute résonance entre le réalisateur et le sujet.

Painlevé sait bien de quoi il parle : ses programmations de films (les siens et ceux des autres), commencées au début des années trente au Musée Pédagogique de la rue d'Ulm, poursuivies plus tard au Palais de Chaillot et au Palais de la Découverte, attirent un public nombreux, séduit par le malicieux mélange des genres qu'on retrouve dans sa propre œuvre. Les films de Painlevé montrent que la bâtardise est un terreau fertile qui peut inspirer de futurs cinéastes.

^1 Jacques Prévert à Jean Painlevé : " Tu as choisi le bon job. Il ne se démodera jamais "
^2 Jean Painlevé inédit
^3 Jean Painlevé inédit
^4 Jean Painlevé dira plus tard qu'il voulut que les mathématiques fussent abordés comme un langage et non pas comme un mystère.
^5 Lettre de Jean Painlevé au Président de l'Association des Anciens Elèves du Lycée Louis Le Grand, datée 1935
^6 Circonstances décrites par Painlevé dans une saynète " L'opération ", 1984, inédit
^7 Jean Painlevé inédit
^8 Octobre 1924
^9 L'Intransigeant, 23 décembre 1930
^10 Les Pieds dans l'eau par Jean Painlevé, Voilà, 4 mai 1935
^11 Les pieds dans l'eau par Jean Painlevé, Voilà, 4 mai 1935
^12 Les Pieds dans l'eau par Jean Painlevé, Voilà, 4 mai 1935
^13 Selon plusieurs témoignages, la baignoire dans l'appartement de son enfance de la rue Séguier servait avant tout comme réceptacle pour les animaux ramenés des vacances à Ker-Ster, la maison que sa grand'mère maternelle louait à Pouldu en Bretagne. (Une autre célèbre baignoire avait servi à stocker des bobines de films ce qui, selon Jean Painlevé, prouvait que l'on ne se lavait pas, et nullement que l'on était un conservateur compétent).
^14 L'Institut dans la cave par Léo Sauvage Regards, 10 mai 1935
^15 Les pieds dans l'eau par Jean Painlevé, Voilà, 4 mai 1935
^16 Le film scientifique : Beauté du hasard par André Bazin, l'Ecran Français n° 121, 21 octobre' 1947
^17 Lettre d'Henri Langlois à Jean Painlevé, 12 août 1954
^18 La castration du documentaire par Jean Painlevé, Les Cahiers du Cinéma n° 21, Mars 1953

Music, it's the bourgeoisie yeah !

2007-02-11T19:33:00.000+01:00

Everlovely Lightningheart - Cusp (2006)

----> cest ici que ça se passe <----

The Wire ( p.68 ) - "CUSP is a shifting 40 minute track that begins with a moody piano solo, before moving through a series of sections that take in Ambient, noise and even some strain of distorted gamelan."

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Merzbow - Pulse Demon

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Alternative Press (2/97, p.65) - 4 (out of 5) - "...Forget songs; this is about texture. PULSE DEMON's eight tracks range from the three-and-a-half minute `Woodpecker #2' to the near half-hour of `Worms Plastic Earthbound.' Grating, high-pitched frequencies and low-cycle rumblings abound....Dive in, or run screaming."

Merzbow est le pseudonyme utilisé par le musicien japonais Masami Akita (né en 1956) pour la plupart de ses enregistrements de noise music expérimentale. Il a réalisé de nombreux CD, vinyles ou cassettes depuis le début des années 1980.

oui cest "du bruit ce disque, mais c'est marrant"

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Merzbow - Age Of 369 / Chant 2 (2CDS)
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In the very early days of Extreme, as a tape label, selected titles from artists working in the industrial underground were distributed by Extreme. "Age of 369" was one of those cassette releases and continues to be a favourite for most noise enthusiasts.
The lesser known "Chant 2" is also from this period (1984) and complements the sonic intensity of the other. Of further importance is the influence of Maurizio Bianchi (MB) and the mail art that was integral to the industrial underground. These reissues document significant works from Japan's Noise master.

Merzbow est le pseudonyme utilisé par le musicien japonais Masami Akita (né en 1956) pour la plupart de ses enregistrements de noise music expérimentale. Il a réalisé de nombreux CD, vinyles ou cassettes depuis le début des années 1980.

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Merzbow + Emil Beaulieau - Merzbow Loves Emil Beaulieau

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Emil Beaulieau (or more fully: “Emil Beaulieau: America’s Greatest Living Noise Artist”) is the stage name of Ron Lessard, a prominent noise musician who primarily records for his own label: RRRecords. He has collaborated and performed with many well-known noise artists, including Merzbow. Beaulieau frequently performs with a custom-made four-armed turntable named the Minutoli after its creator, a friend of the artist’s. Dressed in his trademark pink dress shirt, tie, and grey cardigan, Emil Beaulieau acts out comical performances.

Emil Beaulieau is also believed to have been the first to have applied the LAYLAH Records term “anti-record” to musical records which have been treated (melted, drilled, painted, etc.) so that they become noise records. While something like this had been done by experimental artists for several decades, it wasn’t until Emil’s release of a series of such records (Billboard Combat, Metastasis; Due Process, Do Nothing and many many more) that these (anti-)art pieces were widely called anti-records.

Merzbow est le pseudonyme utilisé par le musicien japonais Masami Akita (né en 1956) pour la plupart de ses enregistrements de noise music expérimentale. Il a réalisé de nombreux CD, vinyles ou cassettes depuis le début des années 1980.

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Merzbow + Gore Beyond Necropsy - Rectal Anarchy

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Gore Beyond Necropsy est un groupe japonais, proposant une musique très rapide et dont le son est particulièrement bruitiste (lo-fi). Leurs textes intègrent des références scatologiques dans un contexte politique anti-capitaliste.

Merzbow est le pseudonyme utilisé par le musicien japonais Masami Akita (né en 1956) pour la plupart de ses enregistrements de noise music expérimentale. Il a réalisé de nombreux CD, vinyles ou cassettes depuis le début des années 1980.

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Merzbow - Mort Aux Vache: Locomotive Breath

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Merzbow est le pseudonyme utilisé par le musicien japonais Masami Akita (né en 1956) pour la plupart de ses enregistrements de noise music expérimentale. Il a réalisé de nombreux CD, vinyles ou cassettes depuis le début des années 1980.

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Merzbow - Pinkream

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Merzbow est le pseudonyme utilisé par le musicien japonais Masami Akita (né en 1956) pour la plupart de ses enregistrements de noise music expérimentale. Il a réalisé de nombreux CD, vinyles ou cassettes depuis le début des années 1980.

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Merzbow - Rainbow Electronics (1996)

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Merzbow est le pseudonyme utilisé par le musicien japonais Masami Akita (né en 1956) pour la plupart de ses enregistrements de noise music expérimentale. Il a réalisé de nombreux CD, vinyles ou cassettes depuis le début des années 1980.

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The Sound of Animals Fighting - Lover, the Lord Has Left us…

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Horde improbable sortie de Los Angeles, The Sound Of Animals Fighting évolue d'abord dans un emocore classique avant de pousser son psychédélisme et ses expérimentations vers un rock progressif. Après un premier album en 2005, c'est chez Equalvision que le groupe balance sa seconde plaque, un an plus tard.

Le groupe est composé, entre autres, d'anciens membres de Finch, Circa Survive, Saosin et RX Bandits.
A ce jour, 9 membres participent à ce projet, tous revêtus d'un masque animalier afin de garder l'anonymat pour des raisons de droits d'auteur et de contrats avec leurs labels respectifs.

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Kayo Dot - Dowsing Anemone with Copper Tongue

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CMJ (p.6) - "Full of slowly unfolding theater-thrash atmospherics and hand-drawn art, Kayo Dot's is a lot like fellow robotic emperors Circle Takes The Square..."

Ce qu'il y a d'énervant avec les amateurs de musique progressive, c'est qu'ils finissent par en voir partout. Juste pour se rassurer que leur courant fétiche n'est pas mort. Un peu à l'instar des infâmes Mars Volta, Kayo Dot est sans aucun doute, lui aussi, sur le point de voir sa musique se faire récupérer par une horde de frustrés en manque de sensations fortes. Ce qui attire ces gens-là, en réalité, c'est l'excès. La musique de Omar Rodriguez et ses potes est excessive. Celle de Kayo Dot aussi. Mais si l'un privilégie la démesure dans une attitude que l'on pourrait qualifier d'extravertie, la formation de Toby Driver nous remue de la même manière, si pas plus, tout en livrant bataille en dedans. "Dowsing Anemone with Copper Tongue" est un disque tumultueux et difficile, un véritable objet musical non identifié dans le payasage indépendant actuel, et les sentiments contradictoires qu'il engendre sont pour beaucoup dans la fascination qu'exerce sur nous cette musique pour le moins indéfinissable. L'adjectif qui me paraît le plus approprié pour tenter de définir ce qui se trame pendant cette heure au parfum surréaliste est : climatique. Voilà en effet un album qui véhicule des sensations peu communes, propre à faire réagir votre épiderme comme si un vent glacé vous effleurait. Seulement, il y a ici quelque chose d'irrémédiablement étrange. Quelque chose de curieux, qui échappe à toute logique. Une moiteur torride qui se partagerait le ciel avec des chutes de neiges très abondantes. Culture du paradoxe où la température hivernale qui règne alentours ne semble pas affecter le moins du monde la chaleur que l'on ressent pourtant. Un balancement perpétuel entre des courants contraires, débouchant sur une sorte d'érotisation du morbide. On frissone à l'écoute de ces plages parfois kilométriques où l'héritage apocalyptique de Neurosis se fait clairement entendre. À cela, Kayo Dot ajoute cuivres et instruments à cordes, sublimant le discours post rock de Set Fire to Flames et Do Make Say Think, pour ériger une musique freeform jusque là inédite. Paru chez Tzadik en 2003, "Choirs of The Eye" était un premier album impressionnant. D'une rare densité et pertinent de bout en bout, "Dowsing Anemone with Copper Tongue" confirme tout le talent visionnaire de Toby Driver, repoussant les frontières de l'impossible sur un disque plus visqueux que réellement insaisissable, balayant d'un revers de la main toute cette cohorte de groupes dont les effets de surenchère inutile et cette culture nauséabonde du tape-à-l'oeil sont en réalité leur seul vrai moteur.

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Dälek - Abandonned language
nouvel album (2007)

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////Isis - In The Absence Of Truth

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Forward-thinking art/prog metalheads Isis dig deeper and more densely into their musical palette with their fourth album, IN THE ABSENCE OF TRUTH. As with earlier releases, the group's often droney, mixed-back vocals, intricate drumming, and diverse guitar work paint a complex sonic landscape. With an approach that is equal parts trippy and ferocious, Isis continue to spawn imitators even as the band's latest work sets new standards for the heady niche they've carved out. With more visible bands such as Mars Volta and Tool paving the way, Isis appear poised to take their brand of heavy ambient rock to the masses.

Alternative Press (p.192) - "Call it raga-metal or modal rock if you need a qualifier, but it's certainly a leap further into the ethereal weirdness that defined 2004's shoegaze- and electronics-inspired PANOPTICON."
Kerrang (Magazine) (p.49) - "Isis have stealthily shifted their focus in the lighter shades of their palette....The more sparing use of crushing riffage just makes the elementally heavy sections hit even harder."

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Ø - Metri

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One of the most essential minimal techno albums ever

Spécial Glauque

2007-02-11T16:44:00.000+01:00

aujourdhui, spécial glauque

Dumbland, de David Lynch
2001, 33', n&b, son.

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Dans une maison très ordinaire habite un individu à la mine patibulaire. C’est un espèce de fou haineux et hystérique, aussi imbuvable avec son voisin qu’avec sa femme, ou envers un pauvre colporteur. L’absurde ponctue la vie de cette brute sans cervelle. On croise ainsi un voisin enculeur de canards, un tapis de gym rebelle et destructeur ou un démarcheur à domicile complètement gaga. C’est parti pour un petit trip au pays des tarés.

David Lynch dit lui-même que DUMBLAND est « très stupide et très grossier ». Le cinéaste présente avec une délectation évidente un énergumène issu tout droit de son imagination. C’est à nous de suivre le fil, plutôt absurde, des événements. Le résultat ne trahit pas les commentaires de son auteur : stupide, grossier, mais aussi sacrément drôle. Présent sur tous les fronts, David Lynch assure par ailleurs les voix de ses personnages et signe les dessins, simplissimes, en noir et blanc. On retrouve le style très dépouillé de THE ANGRIEST DOG IN THE WORLD, une BD que le cinéaste avait publiée dans la presse dans les années 80.

Dumbland Episode Guide:
Episode 1: “The Neighbor”
Episode 2: “The Treadmill”
Episode 3: “The Doctor”
Episode 4: “A Friend Visits”
Episode 5: “Get the Stick”
Episode 6: “My teeth are Bleeding”
Episode 7: “Uncle Bob”
Episode 8: “Ants”

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Sybille II, de Wim Delvoye
2000, 4', 35mm, coul., son.

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The subject of Sybille II by Wim Delvoye is the skin. The magic of the work lies in the use of extreme close-ups. They cause the pictures to at first look like an imaginary, lifeless landscape. After several minutes worm-like objects on the surface come to life. Suddenly the true nature of the images is revealed. Delvoye creates a work of art that confounds our conventional notion of what constitutes the beautiful. The film shows a series of sequences in which various forms, invariably in tones of white and ivory, seem to emerge from nowhere in a delicately cross-stitched landscape. These apparent creatures are mesmerizing, as they weave about in a space the viewer can't initially locate. At a certain point (it took me a number of minutes) you realize that you're not seeing exotic, underwater life, but extreme close-up views of people squeezing blackheads. The dancing forms are filaments of pus released from under the skin, and their explosive appearance in the frame suddenly reads as grotesque and not pleasing. "I want to portray human beings as a kind of organic living being, that's what they are actually, an organism," Delvoye has said, and a number of his pieces use a scatalogical frame to articulate that organic nature.

autres oeuvres de Wim Delvoye
Wim Delvoye - Pipe 1, 2000

son oeuvre la plus connue : la machine à caca
(on clique ici, et on y est directement)

une petite interview ? (en cliquant ici, ça va plus vite)

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Julien Fonfrède & Karim Hussain - La derniere voix
2002, 13', 35mm, coul., son.

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Un jour, toutes les fenêtres de la ville disparurent. La pluie se mit à tomber… Quoiqu'on fit, rien ne pouvait arrêter l'eau de tomber. Bientôt la maladie se répandit, privant les gens de leur capacité de parler tandis que la pluie sans fin détruisait de son torrent acide toutes les formes de communication. Ce fut alors un temps où le dialogue devint un nouveau défi, où tout ce que nous connaissions dut être réinventé. Ce fut également un temps où, dans un environnement de pourriture et de chaos, un homme tenta de faire face à la perte de son ancien amour.

Après Subconscious Cruelty, premier long métrage-culte qui a suscité la controverse tout en connaissant beaucoup de succès au Japon et en Europe, Karim Hussain a co-réalisé le court métrage La dernière voix (2001), présenté dans plus de 40 festivals internationaux (dont Rotterdam et Toronto) et nominé aux prix Jutra. En 2003, il a réalisé Ascension, son deuxième long métrage, qui a remporté le grand prix Nouvelles Visions au Festival des Films Fantastiques de Sitges. Karim Hussain est aussi le co-scénariste du film d’horreur espagnol The Abandoned (2006) et a à plusieurs reprises travaillé comme programmateur de festivals. La belle bête, adaptation cinématographique du premier roman de l’auteure Marie-Claire Blais, est son troisième long métrage.

Edouard Salier - Flesh (2005)

2007-02-11T16:35:00.000+01:00

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PLOT SUMMARY :
The Empire unveils everything but sees nothing. Its enemies idealize everything but tolerate nothing
For some the earthly orgasm of virtual whores ; for others the eternal orgasm of 70 heavenly virgins.
What if it all came down to flesh?

COMMENT :
Flesh assembles Americans and terrorists. As corrupt, libidinous and excessive as religious fundamentalists want to present it, America the superpower is filled with such fervour and energy that it manages to feed its own aggressions, containing within itself a violence,
inherent to the very foundation of its Empire.
Flesh shows how the kamikaze planes have only added fuel to the flames and stirred the arrogance and imperialist mind-set of a superpower that is full of contradiction : the airliners attacks have finally no effect on the town; on the contrary, they only increase the spectacular
decadence they are trying to knock down. The more the planes attack the town, the more debauchery, gigantism, images of violence and the hellish town proliferate.
Flesh does not intend to take sides for or against the United States or Islamic fundamentalists, it’s a reinterpretation of the events of September 11th and its aftermath, which saw the reassertion of a superpower and increase in the hegemony and military supremacy,
accompanied by the rising importance of morals and puritanism, on the one hand; and on the other, a radicalising of the fight against the decadent West, with the promise, supposedly written in the Koran, of better days in Heaven.
Flesh plays with the ambiguity of the two camps and doesn’t favour any side. The text that opens the film contains a reference to the 70 virgins promised by recruiters as a reward to terrorists (the concept comes from an ambiguous section of the Koran, that has lent itself to much polemic in Islam regarding its translation and interpretation).
Though the section of the Koran lends to confusion and obviously needs to be handled with care, its abusive usage by the recruiters of suicide bombers is without a doubt. These naked girls are also the fantasy of a kamikaze before he hits the towers, thus the decadent West he intended to destroy is also a source of desire, pushed by a religious fundamentalism that attacks the West all the while playing on its attraction.
The film does not judge but points out the ambivalence and internal contradictions of the two powers, and how the erroneous or deceitful point of view on their own moral state can engender and maintain a permanent war.
- source : http://www.strikebackfilms.com/

interview sur le site de karl zero

Après quatre ans passés en Arts Graphiques à Pennighen, Edouard Salier rencontre Doctor L (producteur des premiers disques d'Assassins) et conçoit les pochettes de ses premiers albums solo, puis son tout premier clip, Mountains. Véritable boulimique de l’image, Salier multiplie depuis à un rythme effréné les expérimentations graphiques et audiovisuelles via des courts métrages, clips, habillages tv, installations et VJing… Il est également membre de Kactus Hunters, collectif son et image formé en 2001 par Doctor L, et du collectif d'artistes Art Posthume. Après le succès international du diptyque Empire et Flesh (Venise, Sundance, Annecy, Clermont-Ferrand, Mar del Plata, Caen et plus de 100 autres festivals), Edouard Salier prépare actuellement son premier long métrage.

Dès Que Pasa?, Salier impose un style et un ton : spontané, sexy et novateur, un savant mélange entre rafistolage et virtuosité high-tech. Depuis, avec un appétit visuel insatiable et le souci constant de se renouveler, Salier bâtit incontestablement une toile étrange dont on commence à distinguer une partie. Il naît de son bric-à-brac visuel un art du collage et du bricolage qui mène tout droit à une réflexion sur le statut même de l'image, doublée fascination pour la manipulation. En 2005, tout en commençant la préparation de son premier long métrage, Salier réalise un diptyque ravageur sur l'empire américain à travers deux courts, Empire et Flesh, qui atteignent un équilibre idéal entre réflexion militante et recherches graphiques innovantes.

Valie Export

2007-02-11T16:28:00.000+01:00

PARENTAL ADVISORY: EXPLICIT CONTENT

"Pendant les années 1970, Valie Export a consacré ses intuitions expérimentales à la cause du féminisme. Cette appropriation particulière du corps pour cette cause doit être considérée comme aussi ancienne que la société patriarcale elle-même. La prise de conscience du fait que cette société a une emprise si déterminante sur le corps impose instantanément des stratégies destinées à resserrer cet étranglement, dans la mesure où, d’un point de vue féministe, la plupart de ces déterminations ne conviennent pas aux femmes et ne sont pas leur fait. Le corps devient le champ de bataille où se déroule la lutte pour l’autodétermination. " in L’avant-garde autrichienne au cinéma, Paris : Centre Georges Pompidou, 1996

Mann & Frau & Animal, de Valie Export
1970-73, 10 min, 16mm, coul, son

----> cest ici que ça se passe <----

On peut penser que les premiers films de Valie Export répondent au désir, au besoin qu’éprouve leur auteur d’interroger sa propre subjectivité et que le public soit un élément nécessaire au transfert, à la polémique. MANN & FRAU & ANIMAL nous présente une femme qui trouve son plaisir en elle-même ; tout le film n’est qu’une affirmation de la sexualité féminine et de son indépendance des valeurs et des plaisirs masculins. Quand je pense à l’étiquette très érotique dont on marque ce film, je me rends compte qu’en tant que spectatrice je fais l’expérience d’une sexualité qui ressemble à celle de l’enfance — qui découle de la curiosité, du plaisir prosaïque de voir, sans rapport avec le fantasme. Ce n’est pas du tout l’expérience de la pornographie ordinaire, qui n’accorde une place à l’érotique que sous forme de symbolisation du pouvoir. Joanna Kierman.

….Remote….Remote…., de Valie Export
1973, 12 min, 16mm, coul, son

----> cest ici que ça se passe <----

En arrière-plan de l’image du film: l’agrandissement d’une photo en noir et blanc sur laquelle deux enfants regardent gravement la caméra. Au centre, une scène d’action de Valie Export qui s’attaque en passant, couteau en main et regard fixe, à la mutilation de ses doigts dont le sang se mêle au lait contenu dans une coupe posée sur ses genoux. A la fin, l’exécutrice disparaît soudainement et laisse à la caméra, visiblement peu impressionnée, uniquement la photo des deux enfants qui continuent à fixer de leurs yeux vides la salle de projection imaginaire et qui (ceci n’étant visible que durant les derniers instants du film) se tiennent crispés par la main. Alors, avec leur regard posé sur l’automutilation, ils s’indignent mutuellement de la douleur. Stefan Grissemann.

Syntagma, de Valie Export
1983, 18 min, 16mm, coul, son

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SYNTAGMA est comme un regard fixe que quelqu’un échange avec lui/elle-même, comme s’il/si elle était deux personnes, le regard fixe des yeux sur eux-mêmes et le regard fixe de la caméra. Au travers de ces deux yeux, seul le regard est perçu. Reflets d’identités, le miroir comme l’impénétrable, comme un voile de travestissement. Plus le miroir reflète, plus il glisse dans l’oubli comme objet impénétrable, même s’il est imprégné d’images.

pour en connaître un peu plus sur Valie Export, lire l'article sur paris-art
(en cliquant ici, ça va plus vite)

Patrick Bokanowski

2007-02-11T15:41:00.000+01:00

4 courts du réalisateur de L'Ange, Patrick Bokanowski

La Femme qui se poudre, de Patrick Bokanowski 1970-72, 18', 16mm, n&b., son son premier film

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C’est pourtant le type même du chef-d’œuvre fulgurant, qui ne ressemble à rien de connu (même si l’on peut, par approximation, évoquer Goya ou l’Expressionnisme allemand). Même au niveau du discours que l’on peut, ou que l’on ne peut pas tenir sur lui, c’est un film qui provoque le malaise. La musique (de Michèle BOKANOWSKI) est aiguë, faite, dirait-on, de sifflements de vent, de bruits de soucoupe volante ou de trompettes tibétaines et de bribes de paroles dans une langue indiscernable. Comment ce que l’on voit a-t-il été obtenu ? Il y a parfois des surimpressions, ou bien des personnages ‘réels’, portant des masques grotesques, “frankensteiniens” ou un bas sur le visage, filmés à travers un verre sale, ou bien interviennent des éléments dessinés, (un personnage ou des volumes traversent le champ et s’assemblent en une forme étrange et cohérente) le résultat est que l’espace de ce film est constamment brouillé ; c’est un film sans sol et qui par conséquent désoriente le spectateur le mieux assis. Si l’on remarque que ces créatures (parmi lesquelles certes, parade un bref instant une femme qui se poudre) se livrent lentement à des actes que l’on ne comprend pas mais dont on pressent l’épouvantable jeu (s’agit-il d’un assassinat ?) si l’on observe comment deux personnages ‘réels’ se changent tout à coup en taches d’encre cependant qu’un bombardement de météorites dessinées ou peintes frappent la terre, si l’on repère tel personnage continuant à verser du café dans une tasse pleine qui déborde en longue traînée sombre, on se dit qu’est à l’œuvre, dans ce film noir, déroutant, la logique du cauchemar. D. Noguez.

Le Déjeuner du matin, de Patrick Bokanowski
1974, 12', 16mm, n&b., son.

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La femme qui se poudre et Déjeuner du matin , deux courts métrages du début des années 70 sont un exemple typique de l'univers torturé, répétitif et lancinant de Patrick Bokanowski. Entre démence et poésie visuelle d'une beauté absolue. Deux oeuvres passionnantes également au niveau technique : les décors construits pour chaque films sont travaillés dans le détails (peintures, scultures, décors, matières etc...)

La Plage, de Patrick Bokanowski
1991-92, 14', 16mm, coul., son.
Vision d'une plage métamorphosée.

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Le Canard à l'orange, de Patrick Bokanowski
2002, 8'30'', 16mm, coul., son
son dernier film en date

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Une ménagère prépare un canard à l'orange un peu spécial.

Patrick Bokanowski est né en 1943. Etudes de photographie, optique, chimie entre 1962 et 1966 sous la direction de Henri Dimier, peintre et érudit, spécialiste des systèmes perspectifs. Découverte du cinéma d’animation avec Jean Mutschler. Patrick Bokanowski est l’auteur de sept films, mais il expose également peintures, dessins et photographies, et ses films associent souvent plusieurs techniques. Il a réalisé avec Pitch (Christophe Cardoen) une installation présentée au Studio national des arts contemporains du Fresnoy en 1997 – un corps-spirale réalisé par transformation optique et numérique est projeté sur un drap blanc qu’une mécanique fait danser sauvagement, à la fois comme un pantin et un fantôme. Michèle Bokanowski, sa femme, a composé la musique de tous ses films (couronnés par de nombreux prix) .

Episode One

2007-02-11T15:25:00.000+01:00

Scotch Tape, de Jack Smith 1959/62, 3', 16mm, coul., son
With Jerry Sims, Ken Jacobs and Reese Haire

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NB: la qualité est assez pourrie, VHS-rip

On the rubble-strewn site of the future Lincoln Center Ken Jacobs assembled his cast for the shooting of his epic Star Spangled to Death. Smith seized the opportunity and took Jacobs' camera to film the others cavorting and dancing around the ruins. The title arises from the piece of scotch tape which had become wedged in the camera gate. Tony Conrad credits his work on Scotch Tape’s innovative soundtrack as a revelation that informed his own filmmaking practice.

pour en savoir plus sur Jack Smith, lire l'article sur Wikipedia
(en cliquant ici, ça va plus vite)

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Colin Zipp - untitled (seagull) (2005)

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untitled (seagull) is the result of numerous subtractions. The repeating clip has information taken away from itself repeatedly until nothing is left. Collin Zipp is a multidisciplinary digital/video artist who obtained his BFA from the University of Manitoba’s School of Art. His video work uses experimental techniques to explore the beauty within imperfection, human perception and memory. The video footage is manipulated, and imperfections in the data caused by the technology are used to make the medium more self-evident, and create a lo-fi aesthetic. His work has been included in many exhibitions and screenings across Canada and the USA.

son cv vous intéresse ?
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